Na boca do lobo

Onde estamos?

2011-06-09T22:19:00.002-01:00

– Onde estamos?

- Num teatro.

- Tens a certeza?

- Ou alguma coisa parecida.

- Isto é o palco?

- É.

- Aquilo é o público?

- É.

- Aquilo?

- Achas estranho?

- Diferente.

- Diferente?

- Outra vez.

in Ñaque, Piolhos e Actores

Peças em Imagens: «Ñaque» (2011)

2011-06-09T22:16:00.002-01:00

Fotos de Helder Doca

@ GTCCPM 2011

«Ñaque, Piolhos e Actores», sobre a peça

2011-06-09T22:13:00.002-01:00

A primeira vez que vi a peça foi em S. Paulo, no final dos anos noventa. Encenada e interpretada por Miguel Seabra, juntamente com o espantoso actor Álvaro Lavin, para o Teatro Meridional, esta versão marcou-me para toda a vida e durante os cinco dias de apresentação, que vi sofregamente como quem aprecia um manjar dos deuses, jurei a mim próprio que um dia haveria de pegar neste texto e montá-lo para o teatro das ilhas. A grande dificuldade, para não dizer mesmo o grande atrevimento, era saber o que fazer depois de assistir a tão magna lição de bem fazer teatro, sem correr o risco de cair num precipício, porque aquele foi um daqueles espectáculos que me fez questionar o que raio andava eu a fazer no mundo do teatro, havendo por ai quem o fizesse tão bem. Como bem disse Miguel Seabra numa entrevista, esta montagem representa, antes de tudo, o triunfo da simplicidade cénica, a mais difícil meta de se alcançar no teatro.

Hoje, passados quinze anos sobre esse primeiro choque, resolvi arriscar. Sinto que o percurso e a experiência que tenho, se bem que não chegue para atingir a perfeição cénica de que fui testemunha, me dá margem de manobra para um eventual perdão, dos meus colegas e do público, se acontecer o caso provável da minha habilidade como encenador não conseguir dar a resposta adequada que o texto original demanda. Uma segunda razão que me incentivou para esta aventura tem a ver com uma homenagem que senti dever prestar a um actor cabo-verdiano, uma homenagem tão pessoal quanto intransmissível, que não só é dos actores mais experientes da sua geração, como também foi dos poucos que continuou a fazer teatro depois do novo ciclo que se iniciou com o projecto teatral do Centro Cultural Português, na cidade do Mindelo, no início dos anos noventa. Falo, evidentemente, de Manuel Estêvão, a quem dedico, de corpo e alma a montagem desta peça, e a quem fiz questão de acompanhar em palco, para mal dos meus e dos vossos pecados.

Solano e Rios são, pois, dois actores medievais paupérrimos e de nomes pomposos, que caminham, perdidos no tempo, há quatrocentos anos e acabam por aportar em Cabo Verde. Andaram em S. Nicolau, Cidade Velha, Ribeira da Barca, vila Leopoldina, hoje cidade do Mindelo. E ao falarem das suas questões e dos problemas concretos da sua arte tentam, quem sabe se de forma vã, por a nu as questões e as lutas do artistas e do público, de quem faz e de quem vê. São uma metáfora do teatro e da vida e refazem o sentido de continuar a construir esse edifício cada vez mais rico chamado teatro cabo-verdiano. Será estranho? Diferente. Outra vez? Outra vez. Venham vê-los, porque só assim a sua (nossa) arte fará sentido.

João Branco

«Ñaque, Piolhos e Actores»

2011-06-09T22:06:00.004-01:00

FICHA ARTÍSITCA

TEXTO ORIGINAL

José Sanchis Sinisterra

DIRECÇÃO ARTÍSTICA

João Branco

DIRECÇÃO PLÁSTICA

Bento Oliveira

DIRECÇÃO MUSICAL

Mick Lima

DIRECÇÃO DE MOVIMENTO

Janaina Alves

INTERPRETAÇÃO

João Branco

Manuel Estevão

ASSISTENTE DE ENCENAÇÃO

Elísio Leite

PRODUÇÃO

Centro Cultural Português – IC / Pólo do Mindelo

DURAÇÃO

1h 20 minutos, sem intervalo

45ª Produção Teatral do GTCCPM/IC

Apresentado nos dias 03, 04 e 05 de Junho de 2011, no Centro Cultural do Mindelo

Peça em Imagens: Os Amantes (2010)

2010-10-01T23:09:00.003-01:00

«Os Amantes»

2010-09-13T13:49:00.004-01:00

«Os Amantes»

FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DO MINDELO - MINDELACT 2010

PALCO PRINCIPAL - dias 20 (às 21:30h), 21, 22, 23 e 24 (às 20:00h)
Armazém Columbim

EXTENSÃO PRAIA - dias 27 (às 19:00 e 21:00 h) e 28 (às 21:00 h)
Instituto Internacional de Língua Portuguesa (Palácio Cor de Rosa)

Ficha Artística

DRAMATURGIA
Adaptação da peça Quartet de Heiner Muller

ENCENAÇÃO E DIRECÇÃO ARTÍSTICA
João Branco

ASSISTENTE DE ENCENAÇÃO
Elísio Lima

ESPAÇO CÉNICO
João Branco

INTERPRETAÇÃO
Caplan Neves, Nelson Rocha e Sílvia Lima

FIGURAÇÃO (NO MINDELO)
Josi Rocha e Romilda Silva

PRODUÇÃO
Centro Cultural Português - IC / Pólo do Mindelo

CLASSIFICAÇÃO ETÁRIA
M/16

DURAÇÃO
60 minutos, sem intervalo

IDIOMA
cabo-verdiano e português

Adaptação livre em cabo-verdiano da peça Quartet de Heiner Muller que, por sua vez foi inspirado no romance epistolar de Choderlos de Laclos, As relações perigosas.

O dramaturgo afirmou uma vez que a peça Quartet é uma verdadeira comédia, um jogo sexual que mergulha de forma cínica na luta de classes, apresentando dois personagens ambíguos e intrigantes da Aristocracia Francesa: Merteuil e Valmont. A acção dramática oscila "entre um salão durante a época da Revolução Francesa e um Bunker após a 3ª Guerra Mundial", segundo escreve o autor na primeira e e mais significativa didascália da obra, já que nos indicia a sua clara imtemporalidade.

Os personagens da peça desdobram-se em quatro ou mais personagens, trocando de identidade e sexo numa brincadeira sem avisos. As sugestões cénicas são de forte cunho surrealista, com poucas didascálias, o que nos permite uma maior liberdade de criação. Assim, todo o espectáculo viverá do jogo entre dois universos paralelos, já que apesar da peça original ter apenas dois personagens, este espectáculo terá 2 actores e 1 actriz em cena, numa espécie de espelho cénico criado para confundir e baralhar os dados lançados pela situação criada.

Num ambiente extremamente intimista, uma linguagem crua, personagens em estado de decadência profunda em constante luta contra o tempo e a sua própria imagem no espelho, "Os Amantes" será um espectáculo que não deixará ninguém indiferente.

»Os Amantes», sobre a peça

2010-09-13T13:43:00.002-01:00

Apraz-me a ideia de ver o Quarteto de Heiner Müller representado no Mindelact que se aproxima, por uma companhia nacional. Porque será?

Não se exibe ali gente casta mas criaturas que se arrastam rasamente no rasto gosmento de si próprios. Não se exibe o amor. A sedução e a decadência são a carne vã, onde só o esqueleto importa. Tal como o afirma, Heiner Müller exibe a estrutura das relações entre os sexos tal como lhe parecem verdadeiras. Ele nos mostra a natureza de um liame. Não de amor, não de cumplicidade (a cumplicidade que existe entre essas criaturas é uma fatalidade), não de sedução (embora tudo pareça rodar a volta deste factor). A natureza deste liame é a dependência. Heiner Müller apresenta-nos duas criaturas narcísicas, intensamente auto centradas, mas ligados por um laço de dependência atroz. Criaturas sem Deus, que reconhecem no amor uma “ilusão dos criados”, na virtude “uma doença infecciosa”. Criaturas abandonadas a si próprias. Só se possuem um ao outro, mas não passam de desagradáveis espelhos onde se reflecte sua mútua decadência. Presos numa carne podre quando a carne é a única coisa que se possui. O reflexo do vazio que diariamente cresce.

Quando a noite empurra a carne para as luzes vermelhas da cidade, reflectindo tanta diversão e tão pouca alegria, vê-se tantos olhos que se ignoram, presos à carne jovem e bela que o tempo se ocupará de encher de vermes. Vêm-se tantas criaturas inacessíveis, procurando na carne em vez das pessoas, a experiência subjectiva de ser. Ser é ser amado. Seduzo logo existo. Mas os objectos da sedução só possuem a débil existência da novidade. E o nada por dentro continua crescendo, exigindo sua vítima diária para se preencher. Procurando na carne sem face, a repetição abstracta de existência.

A duplicidade solitária dos casais entregue a si mesmos, é algo que me intriga profundamente, todas as vezes que me assalta a insatisfação generalizada com os relacionamentos íntimos que vemos hoje em Mindelo. Ver Valmont e Merteuil entre as nossas ruas, faz-me desejar gritar aos ventos que a natureza do liame entre esses seres que se tocam na intimidade da carne, não pode ser só isso. Faz-me desejar gritar que Heiner Müller estava errado, que o amor existe, a única transcendência necessária. Faz-me querer gritar às duplicidades solitárias que não estão sós, que o amor lhes transcende na mediada em que os une.

Apraz-me a ideia de ver o Quarteto de Heiner Müller em Mindelo. Quem sabe alguém queiri depois gritar comigo.

Caplan Neves

Mindelact 2010

2010-09-06T10:14:00.003-01:00

Como vem sendo hábito, o nosso grupo vai participar em mais uma edição do festival internacional de teatro do mindelo - mindelact 2010, que decorre entre 16 a 26 de Setembro. Apresentaremos, em estreia absoluta, a peça «Os Amantes», nos dias 20, 21, 22, 23 e 24. Depois viajaremos para a cidade da Praia, para apresentações nos dias 27 e 28 de Setembro.

Da equipa final da peça, além de João Branco, na direcção artística, temos Sílvia Lima, Nelson Rocha e Caplan Neves na interpretação e Elísio Leite, na assistência de encenação.

No próximo Sábado, dia 11 de Setembro, haverá um ensaio assistido, na sala do Centro Cultural Português.

Mulheres na Lajinha de volta!

2010-09-06T10:10:00.002-01:00

No âmbito de um convite feito pelo Banco Comercial do Atlântico, o Grupo de Teatro do CCP - IC, vai apresentar no próximo dia 09 de Setembro, a peça «As Mulheres na Lajinha», na Academia Jotamont do Mindelo.

Divertido vai ser, no mínimo!

Comunicado "Os Amantes" adiado

2010-01-15T02:06:00.003-01:00

É com profundo pesar que informamos todos os interessados que a estreia da peça "Os Amantes" foi adiada por motivos alheios ao grupo e à equipa que integra a mesma. Uma nova data está ainda pendente de outras questões, pelo que não é possível, no presente momento, dar qualquer informação adicional sobre esta nova produção do nosso grupo.

Saudações Teatrais

Amantes

2010-01-04T18:07:00.002-01:00

Eis a primeira imagem de promoção, com as actrizes Thai Brum e Silvia Lima.

"Os Amantes"

Estreia dia 19 de Fevereiro

Algures num edifício da cidade do Mindelo

Vem aí nova produção

2009-12-16T13:57:00.003-01:00

"Os Amantes", é o título para a próxima produção do Grupo de Teatro do Centro Cultural Português - IC (44ª Produção Teatral). É uma adaptação livre em bilingue (português / crioulo) da peça Quartet de Heiner Muller que, por sua vez foi inspirado no romance epistolar de Choderlos de Laclos, As relações perigosas.

O dramaturgo afirmou uma vez que a peça Quartet é uma verdadeira comédia, um jogo sexual que mergulha de forma cínica na luta de classes, apresentando dois personagens ambíguos e intrigantes da Aristocracia Francesa: Merteuil e Valmont. A acção dramática oscila "entre um salão durante a época da Revolução Francesa e um Bunker após a 3ª Guerra Mundial", segundo escreve o autor na primeira e e mais significativa didascália da obra, já que nos indicia a sua clara imtemporalidade.

Os personagens da peça desdobram-se em quatro ou mais personagens, trocando de identidade e sexo numa brincadeira sem avisos. As sugestões cénicas são de forte cunho surrealista, com poucas didascálias, o que nos permite uma maior liberdade de criação. Assim, todo o espectáculo viverá do jogo entre dois universos paralelos, já que apesar da peça original ter apenas dois personagens, este espectáculo terá 2 actores e 2 actrizes em cena, numa espécie de espelho cénico criado para confundir e baralhar os dados lançados pela situação criada.

Outra inovação consiste no facto de o espectáculo ser apresentado num espaço alternativo, ainda a anunciar. Um edifício histórico ou uma cave abandonada da cidade do Mindelo são algumas das possibilidades, sendo certo que a peça não será apresentada num espaço convencional nem para um público muito vasto, estado previstos apenas 40 a 50 lugares disponíveis para cada apresentação, já que se pretende criar um ambiente extremamente intimista.

Uma linguagem crua, personagens em estado de decadência profunda em constante luta contra o tempo e a sua própria imagem no espelho, "Os Amantes" será um espectáculo que não deixará ninguém indiferente. A estreia está marcada para o dia 19 de Fevereirode 2010 e as incidências da montagem podem ser acompanhadas via Twitter, aqui.

Os Amantes

Ficha Artística (provisória)

Adaptação livre do da peça de Heiner Muller

Dramaturgia e Direcção Artística

João Branco

Interpretação

Caplan Neves, Nelson Rocha, Silvia Lima e Tai Brum

Figurinos

Elisabete Gonçalves

Instalação de luz

Edson Fortes

Estreia prevista: 19 de Fevereiro de 2010

No Inferno: a crítica de Ricardo Riso

2009-07-19T18:30:00.003-01:00

Ricardo Riso, brasileiro especialista em literaturas africanas de língua portuguesa, assistiu à apresentação da peça "No Inferno", no FESTILP, no Rio de Janeiro e escreveu uma crítica ao espectáculo que, com a devida autorização, passamos a publicar:

Uma feliz adaptação de um difícil texto de Arménio Vieira

Por Ricardo Riso

O que podemos esperar de uma peça teatral? Que ela tenha um elenco afinado e competente, uma direção segura, iluminação e música em sintonia com os factos narrados, um figurino coerente com o tema, dentre outros factores. O que acontece quando se encerra um espectáculo e encontramos o que foi supracitado e ainda nos deparamos com outras agradáveis surpresas, superando nossa expectativa? Só nos resta aplaudir, de pé, é claro, com o sorriso de satisfação escancarado e cumprimentar os integrantes da companhia teatral nos camarins. Tudo o que foi relatado até aqui é exatamente o que sentimos ao término da peça “No Inferno”, texto do cabo-verdiano Arménio Vieira e encenada pelo Grupo de Teatro do Centro Cultural Português – Mindelo/Cabo Verde, no FESTLIP 2009.

Com direção do competentíssimo João Branco, o GTCCPM foi criado no ano de 1993 e já encenou quarenta e três peças, mostrando um fôlego impressionante. O GTCCPM é hoje referência teatral em Cabo Verde e já levou para os palcos textos dos compatriotas Eugénio Tavares, Germano Almeida e Mário Lúcio Sousa, adaptou peças para o crioulo de clássicos da dramaturgia como Shakespeare, Garcia-Lorca e Samuel Beckett, além de encenar textos de autoria própria. O grupo ainda dá continuidade a sua vocação para a formação de novos actores para o teatro cabo-verdiano.

Para a apresentação no FESTLIP, o grupo encenou um texto complexo e difícil, que se refere a vários escritores tais como James Joyce, Cervantes, Shakespeare, Jorge Luís Borges, Dostoievski dentre outros cânones da literatura ocidental. A peça trata de um escritor que é trancafiado em um castelo. Sem memória, ele não sabe como ali chegou até que um telefone toca e várias regras são passadas em um discurso polifônico em que é apresentado a ele que deverá escrever um romance para conseguir sua liberdade, entretanto, somente conseguirá atingir o objetivo se um “júri” competente considerar sua criação uma obra-prima. Para tanto, ele terá uma vasta biblioteca para consulta – pois as vozes ao telefone acusam-no de ter pouca leitura, ou, se preferir, tentar decifrar inúmeros códigos que levariam anos e anos para ter sucesso.

Angustiado, o escritor parte para a criação de seu romance, mas, logo depara-se com o drama da folha em branco, da ausência de criação. O que escrever diante de tantas obras já feitas? Ele recorre à biblioteca sem sucesso, pois, contrariando o que havia sido dito pela voz ao telefone, é possuidor de uma imensa cultura literária, conhecedor de todos os clássicos da literatura. O tempo passa, seu desespero aumenta, sem contato com o mundo exterior fechado em si próprio. Fantasmas aparecem e o atormentam, revelando o inferno da criação. O branco do papel, o vazio da criação em contraste com toda a erudição que possui e com tudo já foi escrito; pólos extremos que configuram a própria morte do romance, o seu fim como gênero literário, daí ser infestado de metalinguagem, inclusive teatrais na adaptação.

“No Inferno” fala do interminável momento de caos do escritor, da atemporalidade do bloqueio criativo, da solidão a que isso reporta, que remete o escritor a ser uma ilha, isolado em um mundo de tantas possibilidades às quais não consegue atingir.

Com um elenco impecável e afinadíssimo que explora muito bem a ironia característica de Vieira, composto por Arlindo Rocha, Elísio Leite, Fonseca Soares e pelo bárbaro Manuel Estevão, destacando o seu impressionante trabalho de voz; a música tensa e correta de Caplan Neves; iluminação de Edson Fortes, figurinos de Elisabete Gonçalves e cenografia e direção a cargo de João Branco, o GTCCPM presta uma justa e bela homenagem a Arménio Vieira ao realizar esta adaptação de “No Inferno”. Peça que deveria merecer uma temporada no Rio de Janeiro.

Fonte: www.ricardoriso.blogspot.com

"No Inferno" de Arménio Vieira em digressão

2009-06-19T18:09:00.013-01:00

Está confirmada uma agitada carreira nacional e internacional da nossa última produção "No Inferno" que passa pelo Brasil, para se apresentar de seguida na capital do país Praia, seguindo para Portugal e terminar esta intensa fase de participações na cidade mãe, Mindelo, integrado na programação principal do Mindelact 2009. No Brasil, a primeira apresentação terá um carácter simbólico muito grande, dado que a apresentação será feita no dia 05 de Julho, dia nacional de Cabo Verde.

O impacto do Prémio Camões atribuído ao poeta Arménio Vieira, autor da obra original, assim como o prestgio já granjeado pelo nosso grupo nas muitas participações em eventos internacionais que conta no seu historial, fazem com quem muito possivelmente esta produção não pare por aqui.

A qualidade cénica, dramatúrgica e o trabalho dos actores, desta que é a nossa 43ª Produção Teatral, foram alvo de grandes elogios na estreia ocorrida no Mindelo, onde as duas apresentações efectuadas souberam a pouco, tendo ficado muito boa gente com vontade de ver (e rever) o espectáculo. E oportunidades não vão faltar, certamente.

Então é assim, o calendário de "No Inferno" para os próximos meses:

Dias 05, 09 e 11 de Julho, apresentações no Rio de Janeiro, Brasil, integrado no Festival Internacional de Teatro em Lingua Portuguesa - FESTLIP.

Dia 17 de Julho, apresentação na Praia, no âmbito da Semana Cultural da CPLP.

Dia 04 e 05 de Setembro, em Oeiras, Portugal, no âmbito do MITO - Mostra Internacional de Teatro de Oeiras.

Dia 13 de Setembro, inserido no Programa Principal do Festival Internacional de Teatro do Mindelo, Mindelact 2009.

Fotografias: Kizó Oliveira e Omar Camilo

Peça em Imagens: No Inferno (2009)

2009-04-17T17:51:00.003-01:00

Peça: "No Inferno"
Ano: 2009

Fotografias de Kizó Oliveira

No Inferno: uma reacção

2009-04-01T18:29:00.002-01:00

"Nesta terrinha bonita di meu, os críticos se confundem ainda com mandadores de boca, mas sei que bem lá no fundo este é um defeito superficial e que este é um grande país povoado de génios e talentosos amantes da cultura que apenas não se mostram porque são anónimos por obrigação ou nem por isso. Aproveito a grande democracia de opiniões e sugestões reinante nesta aldeia para mandar uma das minhas bocas: a peça “No Inferno”, adaptação do livro “No Inferno” de Arménio Vieira, excelentemente adaptada ( por que não também dizer criada) por João Branco, que leva ao palco quatro actores de grande inteligência e de finíssimo talento, merece no mínimo uma tournée nacional para dignificar o trabalho de equipa feito pelo grupo envolvido. Isso para não dizer “ uma tournée nacional no sentido de abrir a cabeça aos mais incautos, aprofundar a prática da cultura teatral entre a classe política, estudantes e jovens empreendedores ou não, fomentar a leitura de autores nacionais e mandar a bardamerda os autores de patacos, na literatura auto financiada como da manhosa poesia do zouk Nacional”. Por isso parabéns a Elisabete Gonçalves pelo figurino, a Carla Correia pelos objectos cenográficos, a Edson Gomes pelo desenho de luz, a Caplan Neves pela música original (belíssima surpresa), a João Branco, e claro aos actores Arlindo Rocha, Elísio Leite, Fonseca Soares, Manuel Estevão todos magníficos. A Manuel Estêvão no papel principal um forte aplauso pelo trabalho de voz, pela pujante interpretação. Ao conde que nos levou aso Inferno...um obrigadinho…."

Abraão Vicente (www.alamarginal.blogspot.com)

Fotografia: Doca

Mensagem Dia Mundial do Teatro II

2009-03-27T14:06:00.002-01:00

Saúdo toda a gente do Teatro. Essa gente esquecida nos momentos bons e recordada nos maus. Essa mesma gente esquecida quando estão em maus momentos e solicitada quando em seus melhores momentos. Essa mesma gente de circunstâncias para a curta visão e de perseverança para os de visão profunda. Essa gente que trabalha com as dificuldades sempre a favor e que choram para fazer rir e riem para não chorarem.

Os dias de qualquer coisa devem servir para qualquer coisa. Porque nem todas as coisas têm um dia, embora hoje haja um dia para quase todas as coisas, o que quer dizer que todas as coisas são importantes. Deste modo, se o Teatro não fosse importante seria uma coisa qualquer. E se é importante, isso já é qualquer coisa, nesses tempos e nesta terra em que tudo tende a perder importância se não for político ou industrial. Que ainda haja teatro em Cabo Verde é um sinal de que são uns sãos loucos que fazem este país. Mas para que haja sempre Teatro em Cabo Verde é preciso desconfiar dos doutos de ocasião, esse que fazem teatro onde não devem. As ajudas festivalescas e as palmadas em cima do chumaço não constituem políticas nem visão estética. Nem uns devem pensar que isso é suficiente, nem outros têm com que agradecer. Deve ser um imperativo de Estado o investimento no Teatro, que deve constituir a sétima arte nacional, até que o próprio teatro, prenhe como está, gere nas suas entranhas um cinema latente. Mas tendo em conta as experiências do Mundo e os recursos de que dispomos, o cinema será sempre uma visita, e o teatro, um severo inquilino.

Saúdo novamente em nome dos ausentes a todos os presentes no teatro, dos figurinistas aos actores, dos directores aos iluminadores, dos cenógrafos aos músicos, dos dramaturgos aos contra-regras, dos anotadores às bilheteiras, do público inocente ao critico aprumado, da criançada inteligente aos mecenas reticentes.

E rogo pragas para que Março seja um mês gago, e fique truncado no dia 27 para a fortuna dos anos vindouros.

Mário Lúcio

27 de Março de 2009

Mensagem do Dia Mundial do Teatro I

2009-03-27T13:39:00.004-01:00

Somos todos actores

Todas as sociedades humanas são espectaculares no seu quotidiano, e produzem espectáculos em momentos especiais. São espectaculares como forma de organização social, e produzem espectáculos como este que vocês vieram ver.

Mesmo quando inconscientes, as relações humanas são estruturadas em forma teatral: o uso do espaço, a linguagem do corpo, a escolha das palavras e a modulação das vozes, o confronto de ideias e paixões, tudo que fazemos no palco fazemos sempre em nossas vidas: nós somos teatro!

Não só casamentos e funerais são espectáculos, mas também os rituais quotidianos que, por sua familiaridade, não nos chegam à consciência. Não só pompas, mas também o café da manhã e os bons-dias, tímidos namoros e grandes conflitos passionais, uma sessão do Senado ou uma reunião diplomática – tudo é teatro.

Uma das principais funções da nossa arte é tornar conscientes esses espectáculos da vida diária onde os actores são os próprios espectadores, o palco é a plateia e a plateia, palco. Somos todos artistas: fazendo teatro, aprendemos a ver aquilo que nos salta aos olhos, mas que somos incapazes de ver tão habituados estamos apenas a olhar. O que nos é familiar torna-se invisível: fazer teatro, ao contrário, ilumina o palco da nossa vida quotidiana.

Em Setembro do ano passado fomos surpreendidos por uma revelação teatral: nós, que pensávamos viver num mundo seguro apesar das guerras, genocídios, hecatombes e torturas que aconteciam, sim, mas longe de nós em países distantes e selvagens, nós vivíamos seguros com nosso dinheiro guardado num banco respeitável ou nas mãos de um honesto corrector da Bolsa - nós fomos informados de que esse dinheiro não existia, era virtual, feia ficção de alguns economistas que não eram ficção, nem eram seguros, nem respeitáveis. Tudo não passava de mau teatro com triste enredo, onde poucos ganhavam muito e muitos perdiam tudo. Políticos dos países ricos fecharam-se em reuniões secretas e de lá saíram com soluções mágicas. Nós, vítimas de suas decisões, continuamos espectadores sentados na última fila das galerias.

Vinte anos atrás, eu dirigi Fedra de Racine, no Rio de Janeiro. O cenário era pobre; no chão, peles de vaca; em volta, bambus. Antes de começar o espectáculo, eu dizia aos meus actores: “Agora acabou a ficção que fazemos no dia-a-dia. Quando cruzarem esses bambus, lá no palco, nenhum de vocês tem o direito de mentir. Teatro é a Verdade Escondida”.

Vendo o mundo além das aparências, vemos opressores e oprimidos em todas as sociedades, etnias, géneros, classes e castas, vemos o mundo injusto e cruel. Temos a obrigação de inventar outro mundo porque sabemos que outro mundo é possível. Mas cabe a nós construí-lo com nossas mãos entrando em cena, no palco e na vida.

Assistam ao espectáculo que vai começar; depois, em suas casas com seus amigos, façam suas peças vocês mesmos e vejam o que jamais puderam ver: aquilo que salta aos olhos. Teatro não pode ser apenas um evento - é forma de vida!

Actores somos todos nós, e cidadão não é aquele que vive em sociedade: é aquele que a transforma!

Augusto Boal

27 de Março de 2009

Em Cartaz

2009-03-18T17:56:00.001-01:00

A ideia de encenar No Inferno

2009-03-18T17:50:00.005-01:00

Desde a primeira leitura da obra que a vontade de partir para esta aventura foi uma realidade. Por um lado, estamos a falar de uma figura maior da nossa literatura, um dos maiores poetas deste país que, possivelmente, já mereceria um outro tipo de visibilidade, condizente com o seu talento; por outro, o romance “No Inferno”, sendo uma obra fragmentária, difícil e que exige do leitor alguma cultura geral, principalmente no domínio da literatura, é ao mesmo tempo, extremamente teatral porque muitas das suas páginas estão ocupadas com diálogos muito bem elaborados, demonstrando o pleno domínio do escritor da técnica dramatúrgica, onde as falas dos personagens são quase sempre lacónicas, corrosivas, inquietantes, ou seja, teatrais.

Ora, o livro foi lançado em 1999. Só passados dez anos pegamos nele para o adaptar. A principal razão terá a ver com a complexidade estrutural da mesma, a sua dimensão intelectual e mesmo histórica, que nos fez concluir que para pegar neste texto e concretizar a sua transfusão cénica, teríamos que estar preparados. A exigência desta criação é enorme a todos os títulos: por um lado, a adaptação dramatúrgica foi resultado dum estudo e análise do romance no seu todo, para que no palco se pudesse criar uma situação “legível”, embora sujeita a múltiplas leituras; por outro, quer no que diz respeito à encenação, quer no que diz respeito ao trabalho dos actores, também essa experiência, ou melhor, maturidade, era condição sina qua non para avançarmos. Dito de forma directa, “No Inferno” é apenas adaptado agora porque só agora nos sentimentos preparados para concretizar tamanho atrevimento.

No Inferno: a encenação

2009-03-18T17:47:00.002-01:00

A angústia da criação. Não há maior angústia, assim como não há dor como aquela que resulta do nascimento de um novo ser humano, e sobre isso são as mulheres as melhores testemunhas. Não há parto sem dor. E com a angústia e a dor chegam os fantasmas, as vozes, as imagens e sobretudo, o peso do passado, as referências de tudo aquilo que já vimos e lemos, a memória como inimigo do novo, a balança empanturrada com todas as criações anteriores da Humanidade. Que posso eu escrever, pintar, encenar, compor, fotografar, esculpir se (quase) tudo já foi experimentado? Como posso eu preencher a folha em branco, a tela vazia ou o palco despojado de objectos, de movimentos, de vida? Sem procurar respostas, esta peça vive do que se ouve e vê – como qualquer peça de teatro, em suma. Mas quase tudo o que se ouve e muito do que se vê, tem uma forte carga simbólica, no cenário, no registo interpretativo dos actores, na música e, claro, no texto. As asas, os cacifos, o leito, as sombras, os ossos, os livros gigantes que imanam luz, as diferentes formas que assumem os fantasmas que povoam o dia-a-dia do poeta, são tudo símbolos de um estado de espírito impossível de descrever de forma racional e objectiva, porque neste Inferno da criação, o caos é um ponto de partida e será, provavelmente, o ponto de chegada. Somos todos joguetes do destino. Não há como arrumar o caos, ordená-lo sem acabar com a sua própria natureza. Então o melhor é, como diz o poeta no final, “a gente retirar-se para um lugar onde haja flores – sobretudo rosas – beber vinho e morrer.”

João Branco

No Inferno: a equipa

2009-03-18T17:44:00.002-01:00

Este espectáculo só teria sido possível com a conjugação de uma série de factores. Em primeiro lugar, como sempre deve acontecer no teatro, estão os actores. São eles que dão corpo, energia, suor e vida aos personagens. São eles a alma da arte cénica. São eles que colocam as suas cabeças na guilhotina a cada apresentação. E no caso particular de “No Inferno” a existência de actores disponíveis, corajosos, inteligentes, talentosos e experientes foi fundamental e fez com que a angústia da criação se transformasse no prazer redobrado da partilha colectiva, do respeito e admiração mútuas, do florescer de uma energia que foram motor e alimento desta montagem cénica. Aqui e agora, quero salientar o trabalho de Arlindo Rocha, Elísio Leite, Fonseca Soares e Manuel Estêvão. Quatro actores do melhor que existe nos palcos de Cabo Verde, juntos, compondo uma partitura cénica que dá resposta às exigências do texto original e ao génio do seu autor, o poeta Arménio Vieira. A este temos que agradecer a disponibilidade e a força dada ao longo de todo este processo, e será para nós uma suprema honra e enorme satisfação poder tê-lo sentado na plateia, para apreciar, de forma crítica, o resultado final. Do resto da equipa, gostaríamos de salientar a colaboração de Carla Correia na cenografia, os figurinos de Elisabete Gonçalves e a música original de Caplan Neves, um jovem com raro talento para a escrita e composição que não hesitou em responder ao desafio de se juntar nesta empreitada. O Edson Gomes com um desenho de luz competente, completa a equipa técnica e artística desta peça, que é a 43ª produção teatral do Grupo de Teatro do Centro Cultural Português - IC.

Queremos que acima de tudo esta peça possa homenagear o autor do romance que a inspirou. Esse o primeiro e grande objectivo. Que possa ser digna da obra e do génio criativo de Arménio Vieira e que no palco se possa reconhecer algo do seu código genético enquanto poeta e escritor.

Depois de tantas peças, de tantos anos, devemos proclamar também que o teatro está morto? Não nos preocupemos com isso, por agora. Sigamos o sábio conselho do poeta que nos diz que mesmo que a suposição de que o essencial já foi escrito nos desconsole, cultivemos o nosso jardim. Deixemos o nosso espírito vaguear, livre, por alguns instantes em cada dia, para que quando a morte nos venha bater à porta, não lamentemos a nossa condição de escravos de um tempo que já passou.

João Branco

Imagem: pintura de Klee

No Inferno: o texto

2009-03-18T17:40:00.003-01:00

Exibe-se aqui, o mais intimamente pessoal e inconfessável dos sentimentos experimentados por uma alma criadora. Exibe-se aqui, uma sombria jornada de pés flamejantes sobre as chagas abertas na angústia da criação. Exibe-se aqui uma impossibilidade semiológica, o anseio de representar o inexistente, aquilo que se recusa a existir e oblitera a própria existência nessa recusa. O nada que reduz toda a substância ao nada, inclusive a própria substância do nada. Exibe-se aqui, a angústia da folha vazia, a angústia da substância inexistente. A angústia que emerge da inexistência daquilo que oblitera a própria existência em não existir.

Está o poeta frente a folha vazia. Esta folha onde nada se escreveu e nada revela que possa ser escrito. Esta folha vazia, simplesmente porque “falta uma vocação de escritor”, ou vazia porque “o essencial já foi escrito”, ou simplesmente vazia porque é no vazio onde tudo começa.

Está o poeta num circuito fechado sobre si próprio, numa ilha perdida num recanto de si, numa casa revestida de paredes de aço sem nenhuma presença de vida para além de si próprio (nem sequer ratos e parasitas); num inferno onde o tempo não existe.

Está o poeta ante a vanidade da acção. O que exprime não tende a um objectivo e nem reporta a um objectivo. Os seus olhos não pretendem outra face além do rosto mórbido que habita o espelho. O seu coração não pretende outro coração ou outro lugar para além desse lugar perdido e deste coração encarcerado dentro da caixa inexorável em seu peito. Não pretende ninguém, nada.

Move-se o poeta vazio e sem memória. Move-se o poeta num mundo fechado de imagens e fantasmas, um mundo intemporal, um mundo onde em tudo o que se move, se percebe a irrealidade, a ausência de sentido de toda a actividade.

Está o poeta encarcerado. O fechamento que conduz à ruptura, a fragmentação, ao caos. O caos que nasce da própria ausência da acção, da imobilidade. Nada se move nesse universo fechado. Tudo é frio e morto, o próprio tempo morreu. Tudo é o eterno instante. Tudo são sombras, tudo é vão. Tudo é angústia, tudo é hilariante, tudo é trágico, tudo é cómico, tudo é nada (ou nada é tudo).

Move-se (?) o poeta no inferno…

Caplan Neves

Imagem: pintura de Magritte

No Inferno: os cartazes

2009-03-10T17:00:00.003-01:00

“No Inferno” exprime um sentimento único e profundamente pessoal, talvez o mais intimamente pessoal e inconfessável dos sentimentos experimentados por uma alma criadora. No entanto o que Arménio Vieira consegue expressar nesta obra é um sentimento que fala profundamente, tão profundamente que fere, que passeia com pés em brasa sobre as chagas abertas na angústia da criação.

Estreia dia 28 de Março!

43ª Produção do Grupo de Teatro do CCP - IC

Cartaz Março

2009-03-03T16:52:00.002-01:00

Peças em Imagem: Gato Malhado na Craquinha

2009-03-03T16:39:00.002-01:00

Imagens da apresentação da peça "O Gato Malhado e Andorinha Sinhá" na Ribeira de Craquinha, no Mindelo, no passado dia 01 de Março de 2009.

Fotografias de Anselmo Fortes

Manifesto Teatral

2009-03-03T16:33:00.003-01:00

Manifesto Teatral

Vamos entrar no mês de Março, que em Cabo Verde tem sido desde 1999, o “Mês do Teatro”, pelo facto de no dia 27 de Março ser Dia Mundial do Teatro, e de durante todo o mês a Associação Mindelact e grupos de teatro um pouco por todo o arquipélago promoverem actividades ligadas às artes cénicas, com destaque, naturalmente, para a apresentação de peças de teatro. Por me ter sido solicitado que abordasse esta temática decidi, depois de participar em mais de 50 peças enquanto encenador, actor, cenógrafo ou dramaturgo, publicar o meu Manifesto Teatral. A forma como abordo a criação artística nesta área e a experiência adquirida ao longo de cerca de 20 anos de carreira permite-me que torne público este texto, mais do que uma manifestação de intenções, um espelho da forma como venho encarando a actividade profissional nesta área, parte vital da minha vida.

1. É fundamental que haja focos, pontos de partida para a criação, sons que permanentemente nos avisam e ajudam a não cair em soluções espontâneas que são rasteiras sempre presentes, porque muitas vezes a nossa mente tende a escolher, até pela forma como vem sendo moldada pela cultura da globalização, os caminhos mais fáceis. Este é um manifesto que se baseia em alguns conceitos fundamentais, a partir dos quais procuro nortear a criação no domínio das artes cénicas: Criatividade, Coerência, Concepção, Estudo, Exigência, Experimentação, Humildade, Trabalho e Partilha.

2. Nada acontece por acaso. No teatro, a arte da transparência, menos ainda. Para se conseguir um bom resultado é fundamental pesquisar, preparar, definir e fundamentalmente trabalhar. Trabalhar muito. Um espectáculo de teatro vive do momento, da sequência dos instantes, da procura da perfeição em cada segundo (que nunca é alcançada). A diferença entre um bom e um mau espectáculo de teatro está relacionada, na maior parte dos casos, com a maior ou menor atenção que damos aos pormenores. Peter Brook, o mais importante encenador do século XX, escreveu: “não há segredos”, e é verdade. O trabalho de um encenador é o mesmo do de um artesão, onde não há lugar para falsas mistificações nem para pretensos métodos mágicos. Não há teatro feito por geração espontânea. Fazer bom teatro dá muito trabalho. Exige enormes sacrifícios. Pede tempo e disponibilidade. [Trabalho]

3. O maior perigo do sucesso e da aceitação do público, e isso é claro em quase todas as áreas, é a acomodação. Como se descobríssemos uma fórmula, que repetimos até à exaustão, até porque se já resultou uma vez, vai certamente resultar noutras. Nada mais errado. A acomodação leva ao desleixo, o desleixo ao facilitismo e se há algo que aprendi neste ofício é que o público não é estúpido, antes pelo contrário. Hoje, exige-se ao processo de criação uma velocidade que corresponda às exigências da modernidade e essa é a sua maior armadilha. O tempo passou a ser um luxo. A reflexão um bem de terceira necessidade. Daí a urgência de exigirmos de nós próprios cada vez mais e não nos deixarmos cair nas tentações do mercantilismo e do aplauso fácil. Tenhamos, pois, como meta primeira fazer melhor que a produção anterior. É um excelente princípio. [Exigência]

4. No teatro tudo é possível porque parte de uma matriz fantástica (e de certa forma angustiante) para o processo de criação: o espaço vazio. Para preencher este espaço vazio devemos utilizar a criatividade de forma a que possamos conceber uma peça onde seja possível estar sempre um passo à frente de quem o vê. Quero com isto dizer que a previsibilidade é o veneno mortal da arte cénica. Porque provoca o desinteresse, o tédio e com este o maior de todos os sintomas, os ruídos oriundos da plateia, paladinos do aborrecimento: tosse, papeis, telemóveis a tocar. E esta abordagem de que tudo é possível é também ela uma armadilha, porque denota uma possibilidade de anarquia absoluta. Não caiamos nisso, porque como se disse no ponto anterior, o rigor e a disciplina têm que estar sempre presentes e com estes a capacidade de surpreender, sempre e a qualquer momento. Que nome se dá a essa competência? Criatividade, simplesmente. [Criatividade]

5. Entre a necessidade de reflexão, de trabalho, de disciplina e a liberdade inerente ao “tudo é possível”, ao espaço vazio e ao acto de criação em si, há um campo vasto de possibilidades a experimentar. “Por isso não há receitas prontas. Permanecer muito tempo na profundidade pode tornar-se aborrecido. Permanecer muito tempo no superficial logo se torna banal. Permanecer muito tempo nas alturas pode ser intolerável. Temos que estar em movimento o tempo todo.” Este parágrafo da autoria de Brook define bem aquela que é uma das características mais genuínas da arte teatral: a experimentação. Agora que já passamos da época em que se chamava experimental a tudo e mais alguma coisa sem a mínima noção do que esse termo realmente significava, talvez lhe possamos dar o devido valor. Tentar ser melhor passa também por descobrir novos caminhos, novas estéticas, novas temáticas, novas abordagens, novas técnicas. [Experimentação]

6. Para que o teatro viva e conserve a sua frescura, deve constantemente arriscar-se, confrontar-se, aventurar-se em novos mundos e é por isso que experimentar é nesta arte tão vital como respirar. Diria mesmo que a experimentação é o reflexo respiratório da arte cénica, o que faz com que esta se renova permanentemente e combata aqueles que são os seus grandes inimigos: o tédio, o aborrecimento, a repetição de fórmulas gastas, a manutenção de um estado senil incompatível com o ser e fazer arte. Mas experimentar não é lançar a concepção criadora para um abismo sem retorno. Pressupõe um domínio de determinadas técnicas, um estudo prévio, uma preocupação em conhecer os antecedentes das linguagens que se pretendem explorar. Experimentar implica também conhecer, ir mais além, procurar profundidade numa época em que a ligeireza domina quase todos os parâmetros da nossa vida social e cultural contemporânea. [Estudo]

7. O teatro é um espelho multifacetado das diferentes realidades que o rodeiam, mas não é certamente espelho de si próprio. Uma peça de teatro é concebida para que alguém a veja. Sendo assim, vai ser sujeita a um escrutínio que não nos deve fazer reféns mas também não nos pode deixar completamente indiferentes senão algo deixa de fazer sentido. E sabendo que o público vai para o teatro para se emocionar, para fazer parte de uma aventura comum, isso obriga a uma contínua introspecção e escuta atenta da parte de quem faz. Auscultar os outros, talvez seja este o acto que melhor define a humildade artística, considerada aqui como uma espécie de grilo falante que nos avisa, em momentos precisos, que se calhar não somos assim tão geniais e que não nos devemos levar tão a sério. O facto de o teatro ser a arte da partilha por excelência faz com que quem nele esteja envolvido se obrigue a questionar. Não tenhamos, pois, a pretensão de que aquilo que fazemos é automaticamente interessante, nem reclamar que os outros é que são ignorantes quando não alcançamos o pretendido. É importante saber escutar os silêncios, as opiniões, as criticas, os elogios, os abandonos, os abraços. Assimilar e seguir em frente. [Humildade]

8. No teatro cabe (quase) tudo. A arte de representar, a arquitectura, as artes plásticas, a música, a moda, a óptica, o som, a luz, os cheiros. Daí também o perigo de se tornar uma amalgama sem sentido. Parece-me fundamental que num campo tão vasto como este haja a preocupação de saber combinar todos estes elementos de forma coerente. Saber jogar com os materiais, com as cores, com os tecidos, com os sons, com os registos dos actores e fazer do todo uma obra de arte que tenha, no mínimo, qualidade estética e clareza conceptual. Por isso o teatro é a arte dos detalhes. Isso obriga a uma atenção redobrada sobre todos os aspectos envolvidos e a uma capacidade de encarar a montagem de uma peça de teatro como um processo colectivo, com muitos criadores envolvidos. Para que funcione, é importante que todos caminhem num sentido definido, claro, concreto, resultado de um profundo debate e questionamento, é certo, mas cujo resultado final nos faça estar perante um quadro harmónico, pictórico, energético e humano coerente consigo próprio. [Coerência]

9. Finalmente dizer que se a partilha é o que faz do teatro aquilo que ele é, torna-se claro que “a base do ofício teatral consiste em estabelecer com o público, a partir de elementos muito concretos, uma relação que funcione”, como escreveu Brook. Isto não implica que se tenha que fazer concepções, como tantas vezes se quer fazer querer. Mas tem que haver respeito. O público reconhece, antes de tudo, a qualidade. E premeia-a, sem contemplações. Claro que há plateias mais difíceis e outras mais dóceis, mas nem as primeiras tem que ser encaradas como inimigas nem as segundas como condescendentes. O ideal é conseguir uma plateia que goste realmente de teatro. Essa é uma bênção, porque resulta numa troca energética entre um grupo de pessoas que vive uma convenção – a convenção teatral - num mesmo comprimento de onda. Por isso o confronto da obra cénica com o seu receptor final é o culminar de um longo, doloroso, paciente e complexo processo criativo, cujo resultado é sempre imprevisível mas quase sempre justo e reflexo do investimento pessoal e colectivo nele depositado. [Partilha]

10. Quanto ao resto, é como o próprio teatro, nasce e morre. Tudo é efémero. É importante que não nos levemos demasiado a sério e que este manifesto possa ser lido como um roteiro de uma viagem, num mundo que permite múltiplos itinerários a tantos outros destinos que não tem que adoptar nada do que aqui é defendido. É provável que eu próprio, daqui a alguns anos, leia este texto e que, como quem lê uma carta de amor que se escreveu na adolescência, sorria e, envergonhado, o arrume sem contemplações no baú das memórias mais longínquas.

João Branco

Mindelo, Março de 2009

Banner No Inferno

2009-02-25T04:10:00.005-01:00

Vem ai...

Sobre No Inferno

2009-02-20T13:51:00.003-01:00

Um Olhar Sobre “No Inferno”
Ou sobre a angústia da folha vazia

Uma análise de Caplan Neves

A substância da arte é a comunicabilidade. Que o ser “se liberte dessas paredes e ganhe a ilusão de estar livre.” Caso contrário perde-se a via e o criador. Elevar a angústia mais pessoal, ao mais profundamente partilhado, eis um empreendimento como nenhum outro. Mas que ponte inconcebível se estenderá entre a comunicabilidade e a expressão genuína de um mundo intransmissível? Palavras? “Palavras, palavras, palavras…” Herdamos as palavras e o modo de as ordenar. Como libertar-se desta “jaula da linguagem” de que nos falava Wittgenstein?

“No Inferno” exprime um sentimento único e profundamente pessoal, talvez o mais intimamente pessoal e inconfessável dos sentimentos experimentados por uma alma criadora. No entanto o que Arménio Vieira consegue expressar nesta obra é um sentimento que fala profundamente, tão profundamente que fere, que passeia com pés em brasa sobre as chagas abertas na angústia da criação.

Para aquele que jamais experimentou as atrozes e dilacerantes chamas deste tormento criativo, este é um livro impossível. Uma impossibilidade semiológica, porque pretende representar aquilo que não existe. Aquilo que se recusa a existir e oblitera a própria existência nessa recusa. É o nada que reduz toda a substância ao nada, inclusive a própria substância do nada. Só quem sustenta dentro de si este “inferno” pode reconhecer a expressão tácita deste sentimento. Doutro modo, apenas estrangeiros, ou melhor, turistas nessa angústia da folha vazia, qual o ateu numa experiência religiosa ou o religioso num mundo sem deuses. A angústia da folha vazia, eis o inferno. Ou então a angústia da substância inexistente. A angústia que emerge da inexistência daquilo que oblitera a própria existência em não existir. E o pior, ela não existe e se recusa a existir.

Observemos esta “amarga” citação do raptor do nosso herói Robinson: “Escrevo para suportar o mundo, que incessantemente se desintegra no nada (G. Kunert)”. Essa frase exprime em poucas palavras, o quão atrozmente angustiante pode ser uma folha vazia. Esta folha onde nada se escreveu e nada revela que possa ser escrito. Esta folha vazia, simplesmente porque “falta uma vocação de escritor”, ou vazia porque “o essencial já foi escrito”, como nos diz Arménio Vieira. Ou simplesmente vazia porque é no vazio onde tudo começa. Porque este romance que fere os olhos é função deste vazio, desta angústia da folha vazia.

"Se escrevo o que sinto é porque assim diminuo a febre de sentir.”, diz-nos Bernardo Soares no Livro do Desassossego, uma das recomendações do raptor de Robinson. “O que confesso não tem importância, pois nada tem importância. Faço paisagens com o que sinto." Sim, como diz Arménio Vieira em sua Nota Prévia “cultivemos o nosso jardim”. Cultivemos o nosso jardim porque é o único jardim onde poderemos jamais penetrar, não importa o quão constringente for a nossa “sobrecarga mental de informações livrescas”. O “nosso jardim” deve valer por si mesmo. Não para provar alguma coisa, não para se ser “original”, nem sequer para se libertar. Ela surge naturalmente no seio e para além daquilo que percebemos e sentimos. É um reflexo natural daquilo que nós somos e, neste sentido, único e irrepetível.

Como nos diz Pessoa pela voz de Soares, o que se confessa não tem importância, porque nada tem importância. Pelo menos, não num circuito fechado sobre si próprio, não numa ilha, não numa casa revestida de paredes de aço sem nenhuma presença de vida para além de si próprio (nem sequer ratos e parasitas); não num inferno onde o tempo não existe.

Nesta ilha fechada o que se confessa não tem importância porque não se pretende comunicar. O que se exprime não tende à um objectivo e nem reporta à um objectivo: “Quem é que ele desejava ver? Ninguém. De quem ou de que lugar podia ele sentir saudades? De ninguém, de nada”. Robinson é um ser vazio e sem memória mas que conserva todas as suas faculdades cognitivas e reflexivas. Mas eis um trágico paradoxo: ele “é capaz de observar, analisar, apreender e chegar a conclusões”, mas só o pode fazer num plano estritamente abstracto, porque falta substancialidade e realidade à aquilo que observa e analisa. É um mundo fechado de imagens e fantasmas, um mundo intemporal, um mundo onde em tudo o que se move, se percebe a irrealidade, a ausência de sentido de toda a actividade. “O homem não é nada” diz-nos Robinson declamando Tzara à uma plateia imaginária, “Medida pela escala da eternidade, todas a acção é vã”.

O fechamento conduz necessariamente à ruptura, a fragmentação, ao caos. Um caos que nasce da própria ausência da acção, da imobilidade. Nada se move num universo fechado tudo é frio e morto, o próprio tempo morreu. Se não há tempo não há progresso. Tudo é um eterno instante. Eis porque Robinson não consegue escrever o romance que lhe fora proposto como condição para a sua liberdade: ele não o pode fazer. Eis porque ele teimava em escrever histórias curtas: Se a vida é um caos, o romance é uma impossibilidade. Se o tempo é um eterno instante, ou um conjunto de eternos instantes, mais vale escrever textos curtos, o mais curto quanto possível, de preferência, poesia.

Mas o caos que encontramos nas páginas de “No Inferno” tem outro sentido. O seu objecto não é o mundo ou a existência, mas a própria escrita. Ela não se relaciona com o personagem, mas com o escritor. O objectivo do caos é expresso desinibidamente.

“Não sei onde estou, nem tenho a certeza de ser gente ou animal ou coisa.”, diz Robinson após, convicto do seu fracasso, atirar ao cesto de papeis o seu primeiro texto, “Estranho ao mundo, indiferente à vida, perdido nalgum ponto do universo, prisioneiro por dentro e por fora, porventura louco, ou talvez nem isso. Sem substancia sem forma, nem atributos. Em suma não existo, nem hipótese sou de coisa alguma”. Mas ao terminar este lindo e profundo monólogo, somos logo esclarecidos que não se trata exactamente da expressão do sentimento da sua condição no mundo, mas provavelmente da “reminiscência de algo que tivesse lido há muito tempo”. Não se trata aqui de um problema existencial, mas simplesmente de um problema relacionado a produção literária.

O absurdo não se relaciona com a existência em si, mas com o acto de escrever. Ele não tenta disfarçar o absurdo, ou pressupor que exista algo transcendental por trás deste absurdo, ou que o absurdo do que é relatado seja uma descrição nua e crua do mundo ou da vida real. O narrador tem consciência do absurdo daquilo que narra. Ele expressa-o claramente logo nas páginas iniciais, dizendo “Mas onde é que há lógica na história que estamos ouvindo?” e dá-nos depois uma esperança, “Haverá uma, certamente que há, mas não nos compete achá-la agora”. Mas ao aproximar-se do fim volta a esclarecer-nos que “ [esta ficção] é maluca, não tem pés nem cabeça.” E aconselha-nos à fechar o livro, a não ser que estejamos “vacinados” contra o absurdo.

Qual é então o sentido deste absurdo? Ele pretende calar-se por escrito. Mas este “calar-se” em Arménio Vieira não se trata da clássica literatura do silêncio, longe disto. Aliás está claro o que ele pensa do silêncio: “[…] o silêncio é uma coisa que sempre moeu o juízo daqueles que tentaram convertê-la em coisas que não fossem ela mesma, isto é, a palavra silêncio.” Mais a frente diz-nos: “Semelhante ao nada, o silêncio é apenas um lapso de tempo preenchido por uma coisa que deixou de ser.”

Entramos aqui num impasse. Ele não pretende dizer nada, ele quer apenas calar-se, mas muito menos pretende uma tradução do silêncio. Ele pretende situar-se num espaço entre o calar-se e o recusar do silêncio, então ele cita. Ele cita porque não tem nada para dizer. Repete de cor e salteado o essencial da literatura ocidental (e não só), porque acredita que o essencial já foi dito. Só lhe resta venerar o que já foi feito. Eis o sentido do “pavor místico” que invade Robinson quando lhe ocorre usar os livros caso lhe faltasse papel higiénico: a único coisa que faz sentido preencher a sua folha vazia, são citações.

Então ele mergulha-nos propositadamente num universo absurdo do qual só a literatura escapa. Porque ele já não tem olhos, ou não acredita nos seus olhos. Ele obliterou o seu olhar na suposição que o essencial já foi visto. Só lhe resta olhar o mundo com os olhos daqueles que viram já o mundo. Eis o sentido deste angustiante vazio que povoa as folhas de “No Inferno”: “Nas estantes da sua memória só havia espaço para livros, apenas isso”.

“Só escreve quem lê.” diz o raptor de Robinson. Ele é só leituras. Está constringido por essa “sobrecarga mental de informações livrescas”. Quando se observa com olhos alheios traz-se também o olhar alheio e consequentemente um mundo alheio a nós. A escrita nasce, repito, naturalmente, no seio e para além daquilo que percebemos e sentimos. Como escrever se o olhar não nos pertence, se não existe uma percepção genuína, um sentimento genuíno?

O método está no entanto achado. Um eunuco (perceba-se, um ser castrado e incapaz de procriar) pergunta a Robinson se pode dizer um poema. “Um poeta eunuco, força! Recita o poema.” Incentiva-o Robinson. Mas quando o eunuco o faz ele apercebe-se “Conheço, é um verso irlandês, mas atenção: acrescentaste-lhe umas palavras.” “Fiz mal?”, pergunta o eunuco. “Fizeste muito bem.”, diz Robinson. Eis que somos esclarecidos. Talvez demasiadamente esclarecidos. Não há nada a dizer se o olhar não nos pertence. Só resta papaguear citações e acrescentar-lhe algumas palavras.

Todo o enredo deste… bom, chamemos-lhe romance, é o próprio acto de criação de si mesmo. “Desde o primeiro livro, Poemas, de 1981, passando por O Eleito do Sol, de 1989, até esse seu No Inferno, Arménio Vieira transita por dentro da escrita.”, diz-nos Clara Seabra. Mas há mais. “No Inferno” transita por dentro de si próprio. Um movimento paradoxal de uma obra que descreve o seu próprio emergir, sendo a substância de si próprio.

Os paralelismos são óbvios. O personagem e o autor encontram no mesmo “assado”: o de escrever um romance quando não há nada para escrever. Quer o autor quer a personagem limitam-se à um amontoar de textos dispersos e de citações dispersas. Estão ambos constringidos pela sua “sobrecarga mental de informações livrescas”. E, por fim, como se liberta o personagem? “Tropeçando, rolou pelos degraus abaixo e zás! Encontrou-se no País das Maravilhas […]”. E como termina a obra? “Eis que começa o dia a despontar. Interrompo aqui a minha história”. O dia desponta, ele toma o banho, veste-se e como o resto do rebanho, penetra pelo País das Maravilhas, onde as pessoas deslocam apressadas, sem saberem que “é preferível a gente retirar-se para um lugar onde haja flores (sobretudo rosas), beber vinho e… morrer.”

Donde vem este pessimismo de criador, supondo que nos dias que correm é necessário um razão para se ser pessimista? Vejamos, a folha vazia precisa ser preenchida, mas estamos constringidos pela suposição de que o essencial já foi escrito. “Que fazer então? Continuar a escrever romances, fazendo de conta que ninguém os escreveu antes de nós?”, indaga-se Arménio Vieira. Chegamos a pensar que ele pretende fazer humor. Só não desatamos as gargalhadas porque está claro o que realmente é. Mostra-nos a tocante e abatida feição de um grande escritor que qual Édipo, arrancou os próprios olhos. Mas como teve ele coragem de ferir assim os seus olhos? Que divindade a isso lhe levou? Perguntamos nós, corifeus dessa angústia que nos é alheia.

Pois bem, imaginemos-lhe qual um profeta que se guia por um enorme livro de profecias no fundo de um poço, onde todos os profetas, seus antepassados, foram beber a sua inspiração. Chegado demasiado tarde, tudo já fora anunciado, já não existem mais revelações a serem feitas. Com o coração apertado, procura em vão entre as paginas desse livro decrépito uma palavra que ainda ninguém prenunciou. Perseguido pelo desejo de revelar uma boa nova, mas consciente de que tudo já foi dito. Só lhe resta arrancar os próprios olhos e resignar-se a olhar o mundo com os olhos dos profetas mortos.

Mas podemos ainda indagar como terá surgido em Arménio Vieira essa estranha cadeia de raciocínio, como terá o olhar que gerou “O Eleito do Sol”, acabado por declarar a inutilidade do seu olhar.

Antes de mais é importante ressaltar que, como diz Clara Seabra, ele é um escritor “inconcebível fora de uma literatura-metalinguagem. Significa isto que o seu objecto não é a expressão de emoções humanas em si, mas a própria expressão, ou melhor, o próprio acto de exprimir. Assim, ele se exclui do contacto directo com as emoções e explora as sombras dessas emoções. Isto é particularmente visível nesta obra.

De resto, porque Robinson assassina reiteradamente Romeu e Julieta. Robinson ama Julieta mas Julieta não ama Robinson. “Porque é que os matou?”, perguntou Clint. “Porque é o meu destino”, respondeu Robinson. Pois! Robinson não foi feito para o amor. Ninguém pode amar preso dentro de uma ilha e sem memória. Mas não é o amor que ele busca, assim como não é a Julieta que ele ama. O amor não existe, assim como Julieta não existe.

“Aquilo a que uma longa tradição – mais literária do que reflexiva – se habituou a traduzir pela palavra amor, talvez não passe de uma mitificação”. Ou então, “Se Dante, em vez de um modelo platónico, tivesse reflectido sobre a mulher que Beatriz realmente era, talvez não lhe houvesse dedicado um só dos seus pensamentos, quanto mais um dos maiores poemas escritos por uma alma apaixonada.

A literatura-metalinguagem move-se por entre as sombras do sentir. E as sombras são fixas tal como o olho que os observa fixamente. É uma experiência de imobilidade. Um ser sem memória de objectos e emoções reais não compreende o tempo. Não compreende que nada está fixo, nem o objecto nem o observador, que o acto de observar é um acto de liberdade, de selecção. Que o olhar não existe a priori, que cada um deverá construir o seu próprio olhar. Pois o vazio surge porque cessamos de olhar com os nossos próprios olhos. Que quando olhamos com os nossos próprios olhos, percebemos como o nosso olhar é único e irrepetível, assim como o é a sua expressão. Que está tudo por dizer, porque tudo espera ser visto.

Onde reside esta negação do olhar? Será que foi a sua “literatura-metalinguagem” que fechada sobre si mesma, sem injecção de emoções reais já não podia suportar o próprio vácuo, o olhar cansado de olhar para o nada e resolveu declarar a inutilidade do olhar? Talvez a questão seja muito mais simples, até mesmo porquê, existe emoção real na “literatura-metalinguagem”. Existe efectivamente uma emoção da própria escrita. O que mudou então?

“[…] começara a viajar pelos livros, os quais, nessa fase, lia por prazer, pelo que se o acto de ler é um pecado, eu andava mais próximo da gula que da vaidade”, pode-se ler algures. O mesmo acontece com a escrita. A escrita pode igualmente nascer da “gula” ou da “vaidade”. A escrita pela “gula” tem como único objectivo o prazer. É neste sentido um reflexo natural do olhar que criamos para captar um mundo que se move e se realiza na medida desse mesmo olhar. O que “desconsola”, não é a suposição de que o “essencial já foi escrito. O que “desconsola” é a perda do olhar. O vazio não está nas coisas, mas em olhar as coisas com olhos de outrem.

Nada mais tenho a dizer de Arménio Vieira para além de que é um dos maiores escritores cabo-verdianos. Quanto ao “No Inferno”, talvez fosse um problema estrutural da própria obra. Como um ser que só vive respirando um veneno que inevitavelmente o matará. A angústia da folha vazia, sendo a força motriz desta obra, foi o que o conduziu a sua perdição. De resto, o papaguear de citações e o esforço propositado de nos emergir num absurdo tendencioso, não escondeu o génio de Arménio Vieira que esperemos, recupere o olhar e a voz. Porque quando recuperamos o olhar deparamos com um horizonte infinito de espaços vazios a nossa frente, a espera que lhe revelemos o sentido.

Em estreia: No Inferno

2009-02-20T13:45:00.005-01:00

Cá está aquela que será a 43ª Produção Teatral do Grupo de Teatro do Centro Cultural Português do Mindelo:

"No Inferno"

Uma tragicomédia de Arménio Vieira

Ficha Artística

Adaptação

João Branco

Encenação, Cenografia e Direcção Artística

João Branco

Interpretação

Arlindo Rocha

Elísio Leite

Fonseca Soares

Manuel Estevão

Objectos Cenográficos

Carla Correia

Figurinos

Elisabete Gonçalves

Música Original

Caplan Neves

Desenho de Luz

Edson Fortes

Uma produção do Centro Cultural Português - IC / Pólo do Mindelo

Estreia prevista para o próximo dia 28 de Março, no Centro Cultural do Mindelo

Peça em Imagens: Máscaras (2008)

2008-12-30T03:49:00.001-01:00

Peça: "Máscaras"
Ano: 2008

Fotografias de Kizó Oliveira

Peça em Imagens: "Mulheres na Lajinha" no Festiluso

2008-12-30T03:19:00.007-01:00

Peça: "Mulheres na Lajinha"
Ano: 2008
Local: Teresina, nordeste do Brasil

Peça em Imagens: Gato Malhado e Andorinha Sinhá (2008)

2008-12-29T03:39:00.002-01:00

Belas imagens...

... fotografadas por Kizó Oliveira

Peça: Gato Malhado e Andorinha Sinhá (2008)

Grupo de Teatro do Centro Cultural Português - IC

O Gato Malhado, está quase!

2008-12-14T17:16:00.001-01:00

Gato Malhado: ficha artística e apresentação

2008-12-06T01:03:00.003-01:00

O Gato Malhado e Andorinha Sinhá

Ficha Artística

Coordenação Geral e Direcção Artistica

João Branco

Coordenação Geral e Direcção Plástica

Elisabete Gonçalves

Adaptação e Dramaturgia

Airton Ramos e João Branco

Música Original e Ambientes Sonoros

Neu Lopes

Desenho de Luz

Anselmo Fortes

Concepção de Máscaras

Elisabete Gonçalves

Elenco

Grupo de Teatro do CCP - IC

Sobre o espectáculo

Uma parábola contemporânea

Desde há muito que desejava colocar no palco uma adaptação teatral deste conto exemplar de Jorge Amado, certamente um dos maiores criadores literários do século XX. A história, aparentemente elementar e singela, fala-nos de uma paixão proibida entre dois seres que foram, por natureza, feitos para serem inimigos mortais. É uma poderosa parábola contemporânea, que nos mostra como o preconceito impede tantos seres humanos de serem felizes, pelo simples facto de se apaixonarem por alguém que o mundo próximo e social, considera «inadequado». Pode ser por causa da cor da pele, da conta bancária, do credo religioso, da nacionalidade de origem, da afeição clubista ou da filiação partidária. Apesar de tantos exemplos diários, parece que ainda não aprendemos que o amor é a grande arma para lutar contra uma sociedade alheia, triste, global, receosa, egoísta e tantas vezes hipócrita, como é esta em que vivemos hoje em dia.

Por isso esta adaptação teatral cumpre um desígnio que considero fundamental nesta forma de expressão artística única e essencial: servir de espelho da Humanidade e, seja pela emoção que induz, seja pela reflexão que provoca, conseguir, através dessa vivência partilhada, tornar-nos um pouco melhores seres humanos e mais conscientes das nossas forças e das nossas fraquezas.

Também por isso, e ao contrário do que possa parecer à primeira vista, não considero esta uma peça «infantil». É uma peça para todas as idades, porque o amor não tem fronteiras e nunca é tarde para apreender a poderosa influência que este pode exercer na nossa curta passagem pelo mundo dos vivos.

Dito isto, uma palavra aos 15 actores e actrizes do grupo de teatro do Centro Cultural Português - IC, que consegue juntar num mesmo palco imensa experiência e talento, como há muito tempo não se via na nossa companhia. Quisemos muito reencontrar esta história pelo ensinamento profundo que nos transmite. Quisemos dar a nós próprios uma demonstração da nossa capacidade de mobilização enquanto colectivo teatral. Quanto mais não seja, porque cada vez é mais certo que estar no palco e habitar outras vidas, é paradoxalmente incompatível com um estado de espírito egocêntrico, leviano e hipócrita que tantas vezes nos barra o caminho da felicidade.

João Branco Director Artístico do GTCCP Mindelo / IC

Gato Malhado: o cartaz

2008-12-06T00:59:00.004-01:00

42ª Produção

Dias 20 e 21 de Dezembro - 18:00 horas

Dia 25 de Dezembro - 17:00 e 19:00 horas

Auditório do Centro Cultural do Mindelo

42ª Produção: Gato Malhado e Andorinha Sinhá

2008-12-06T00:37:00.006-01:00

Por proposta do director artístico do grupo e absorção da mesma propostas por todo o grupo, estamos já em plena montagem da peça "O Gato Malhado e Andorinha Sinhá", que será a nossa 42ª Produção Teatral, e a terceira produção do grupo neste fantástico ano de 2008.

A estreia far-se-á no próximo dia 20 de Dezembro, com repetições no dia 21 e no dia 25 de Dezembro, dia de Natal.

Depois de "A Última Ceia", em Março, e "Máscaras", em Setembro e Novembro, o Grupo de Teatro do Centro Cultural Português - IC vem mostrar porque é o mais activo e produtivo dos grupos de teatro nacionais.

A peça que, originalmente, foi feita no âmbito do 12º Curso de Iniciação Teatral, sofrerá algumas modificações no texto e na encenação, e o elenco será praticamente todo renovado, desta feita quase todo ele composto por elementos do próprio grupo e três actrizes convidadas. Dois elementos que eram do curso foram, entretanto, convidados a integrar o próprio grupo. Isso faz com que elementos do grupo que há muito não trabalhavam juntos, tenham a oportunidade de voltar a contracenar em palco. Por outro lado, o grupo avança para um universo esquecido há já algum tempo, que é o teatro dirigido para o público mais novo. Embora todos consideremos que este espectáculo, pela qualidade e experiência dos actores, pela bela história e fantástica plástica (máscaras, cenário e figurinos) tem tudo para agradar ao público de todas as idades.

elenco

Gato Malhado

Jair Estevão

Andorinha Sinhá

Sílvia Lima

Pai da Andorinha

Elísio Leite

Mãe da Andorinha

Karina Lizardo

Rouxinol

Arlindo Rocha

Sapo Cururu

Nelson Rocha

Papagaio

Elisabete Gonçalves

Vaca Mocha

Romilda Silva

Galinha Jericó

Zenaida Alfama

Pomba Riolenta

Mirtó Veríssimo

Cão Dinamarquês

Edson Fortes

Coruja

Patrícia Estevão

Manhã

Josy Rocha

Tempo

Jorge Spencer

Árvore

Ducha Faria

Os ensaios já decorrem há algum tempo e entram agora em fase de cruzeiro. É bom ver o grupo todo junto de novo!

Amor é Carga

2008-12-02T02:19:00.006-01:00

Uma das montagens sonoras da peça "Máscaras"

Música de Vasco Martins

Voz de Mayra Andrade

Poema de Eugénio de Andrade, "Amor é Carga"

Fotografia de Kizó Oliveira

Sublime Máscaras

2008-12-02T01:55:00.004-01:00

Sublime é o epíteto que melhor casa com "Máscaras", a peça baseada no poema de Menotti del Pichia que sobe hoje, 28, ao palco do auditório do Centro Cultural do Mindelo. Co-produzida pelo Grupo de Teatro do Centro Cultural Português - IC e a Companhia de Dança Raiz di Polon, a obra é de uma beleza comovente que nasce das palavras de Arlequim, Pierrot e Columbina. Personagens a que dão vida o Arlindo Rocha, João Branco e Romilda Silva, no cenário criado por Bento Oliveira e coreografia de Manu Preto e Beti Fernandes. (...)

A peça não seria entretanto tão marcante se os olhos de quem a vê não vissem também um cenário que conduz ao sonho. Tal como em "Auto da Compadecida", Bento Oliveira surpreende em cada detalhe, ajudado pelas máscaras de Abraão Vicente, pela indumentária de Elisabete Gonçalves e pelos objectos de Artur Marçal. Todos juntos criam um mundo de plasticidade com cara e cheiro a Cabo Verde.

É nesse cenário que passeiam duas figuras estranhas - interpretadas por Manu Preto e Beti Fernandes - cujo talento é já reconhecido e premiado, e que dançam e se movimentam ao som da música de Vasco Martins e fazem recordar Orlando Pantera ao proferir excertos da letra de "Lapidu na Bo", do falecido compositor.

E mesmo que esta peça não despertasse todos os nossos sentidos, valeria pelo intercâmbio e cooperação que espoletou ao congregar talentos e esforços de três ilhas - Santo Antão, S. Vicente e Santiago -, mostrando assim que é maior aquilo que nos une do que as águas do mar que nos separam neste nosso pequeno Cabo Verde.

Teresa Sofia Fortes - Jornal A Semana (28 Novembro 2008)

Peça em Imagens: Máscaras (2008)

2008-12-02T01:52:00.001-01:00

Belas Máscaras!

Peça: Máscaras (2008)
Fotografias de Kizó Oliveira

O Amor de Arlequim e Pierrot aplaudido na Praia

2008-11-27T11:22:00.004-01:00

“Um fala do céu... o outro fala da terra!”

Imagine assistir a algo onde consiga encontrar um pedaço de si em cada personagem que caminha, em cada palavra transmitida, em cada sentimento sentido. “As Máscaras” são isto e muito mais…

Margarida Conde - jornalista

O Amor. O “Fogo que arde sem se ver” de Luís de Camões, o “traje” de Bernardo Soares “que como não é eterno, dura tanto quanto dura” ou aquele que segundo Eugénio Tavares “é mar quando está manso, geme com gosto, ama no descanso”. Várias formas de ver uma”estranha coisa chamada amor”.

Menotti Dell Pichia, poeta, escritor e pintor modernista brasileiro escreveu “Foi assim: deslumbrava a fidalga beleza da turba nos salões da Senhora Duquesa” e João Branco imaginou... “Um dia o actor brasileiro Cadú Favero olha para mim e diz-me que tem um sonho. E diz-me mais: que eu entro nesse seu sonho. Que sonho é esse, pergunto. A resposta não tardou e veio acompanhada da primeira fala de um texto poético-teatral que não conhecia, num bom sotaque carioca”. De imediato, uma montagem cénica no pensamento, “um relâmpago criativo, que apenas poucas vezes na vida ousamos experimentar”, diz João Branco.

A peça teatral “Máscaras” era o próximo desafio. O Amor... de Arlequim e Pierrot por Columbina. Dualidades eternas. Em cada um deles há um pouco de cada um de nós. “O primeiro é o que beija o sonho, o segundo o que sonha com o beijo e a terceira a que ama, sem dó nem piedade o sonho e o seu espelho”.

Directamente do Mindelo para a Praia. Um hino ao Amor fez-se ver, ouvir e impressionar no Auditório da Assembleia Nacional. “Um espectáculo de palavra” que move-se em torno de três personagens, que se interligam, que suspiram os seus desejos emocionais e carnais numa “interpretação cantada, ou se quisermos quase suspirada”.

Enquanto Arlequim e Pierrot piscam o olho a Columbina, cada um com o seu estilo, romântico ou explosivo, sereno ou fugaz, dois seres anónimos, “sem rostos, corpos deformes… deambulam pelos cinco sentidos, se tocando, se beijando, se vendo”, presenciando uma história de um trio amoroso. Duas interpretações dançantes, várias máscaras a deambularem pelas suas mãos e rostos. Mano Preto e Beti Fernandes, os bailarinos da Companhia Raiz di Polon, dão vida ao espectáculo com os seus incontornáveis gestos e expressões.

Sussurra-se as últimas palavras… “Porque a história do amor só pode se escrever assim: Um sonho de Pierrot E um beijo de Arlequim!”. A plateia quase cheia do auditório aplaude de pé. O pano desce e fica-se com o sentimento de missão cumprida.

Um espectáculo mais maduro

João Branco, encenador e director artístico do Grupo de Teatro do Centro Cultural Português, apenas teve um desejo quando as palmas soaram pela sala. “Que levassem alguma coisa. Geralmente, costumo dizer que o mais importante é que as pessoas possam ser um bocadinho mais felizes, depois de serem confrontadas com aquilo que fazemos. Que tenham crescido enquanto seres humanos. Além disso, a arte cénica é muito transparente, nós damos aquilo que recebemos, não há bons e maus públicos, o que há é bons e maus espectáculos”.

Sair do estereótipo básico do amor. Foi uma tarefa cumprida nesta peça que cativa pela escolha dos figurinos, musicalidade, desenhos de luz, cenário, bailarinos e interpretações espontâneas e sentidas. “Este texto demonstra que se pode celebrar o amor sem ser de forma vulgar, especialmente num lugar como Cabo Verde onde o amor é exaltado de uma forma demasiado “pimba”, seja através da influência das novelas ou das letras do zouke, - e eu até gosto de algumas novelas e de uma vertente do zouke que me permite dançar. Mas há sempre outra maneira de se fazer as coisas”.

Os bailarinos. Duas figuras misteriosas, mascaradas, com um “je ne se quois” de misticismo e sedução, esvoaçam pelo palco trazendo consigo a riqueza dos movimentos. Os seus corpos brincam como duas crianças ao sabor do vento. “Não há perfeições na criação artística. Costumo dizer aos meus alunos que no dia em que fizerem a peça de teatro perfeita têm de parar de fazer teatro e partir para outra esfera de actuação. É por isso que considero a junção da companhia Raiz di Polon com o Grupo de Teatro do Centro Cultural Português muito interessante e resulta essencialmente da admiração que ambas as companhias têm uma pela outra, e do facto do trabalho de cada uma ser muito diferente, conjugando linguagens desiguais, permitindo uma grande aprendizagem mútua. Acerca do espectáculo na Praia, o Mano Preto disse algo muito acertado - «hoje senti que tínhamos uma co-produção». Uma sensação que não existia no Mindelo, porque não houve muito tempo para estarmos juntos. Este espectáculo está, pois, mais maduro”, revela João Branco, assumindo-se na “vida real” como uma mistura do que “beija o sonho e o que sonha com o beijo”.

“Claro que há uns que têm mais tendência para a componente do desejo, ou seja, para a componente física, que é a muito cabo-verdiana. Sonhar aqui com um amor platónico chega a ser considerado um pouco maricas”, ironiza o encenador.

Com interpretações de João Branco (Arlequim), Arlindo Rocha (Pierrot) e Romilda Silva (Columbina) e com uma participação especial de Mayra Andrade e Mário Lúcio Sousa, as “Máscaras” partiram da Praia de volta ao Mindelo, onde nos próximos dia 28 29 e 30 de Novembro, no Centro Cultural, preparam-se novamente para impressionar…

Notícia publicada na última edição do jornal Expresso das Ilhas

Fotografia de Baluka Brazão

«Máscaras» em temporada

2008-11-24T18:55:00.002-01:00

Vamos promover o teatro?
Divulguem, convençam os amigos, tirem-me esses rabos dos sofás!

Voz de Mayra Andrade, recitando poema de Eugénio Tavares «Amor é Carga»

Helder Style

2008-11-22T17:26:00.002-01:00

O "nosso" actor Hélder Antunes, a estudar Artes Cénicas no Brasil, em grande estilo, numa passagem de modelos!

Máscaras na Praia - Reacções

2008-11-21T18:29:00.005-01:00

A apresentação da nossa produção «Máscaras» na cidade da Praia, em conjunto com a companhia Raiz di Polon, foi muito positiva, apesar das grandes dificuldades técnicas inerentes ao péssimo material existente no auditório (dito) nacional. Mas nós todos sentimos que o desafio foi vencido e o público conquistado. Os ecos da nossa actuação não se fizeram esperar.

Eis algumas das primeiras reacções, via comunidade de blogueiros berdianos:

Crónicas Sujas, de Abraão Vicente

Depois de ter visto a estreia no Mindelo, ontem na Praia a peça “Máscaras”, pareceu-me mais madura, mais coerente e confirmou os seus pontos fortes: o texto, a banda sonora e o desempenho do Arlequim (João Branco). Um peça rica, sem economia e recursos (ou de Cultura). Gosto da ideia de uma colaboração entre o Grupo do Mindelo e os Raiz di Polón, mas não acredito que essa seja a peça ideal para que tal aconteça. Mais teatro na capital Precisa-se.

Sei que Quero Saber, de Margarida Fontes

Máscaras que impressionam! Fui, Vi ... amei. O texto é envolvente, apaixonante e actual. A partir do poema "Máscaras", de Menotti del Pichia, poeta, escritor e pintor modernista brasileiro, uma história sobre três personagens que fazem um hino ao amor. Nostálgico, entusiasmante e com apontamentos estratégicos de humor. Três figuras centrais... Arlequim, Pierrot e Columbina. Em cada um deles há um pouco de cada um de nós. (...)Parabéns ao João Branco e ao elenco pela audácia teatral, capacidade surpreendente em palco, naturalidade artística e principalmente por nos dar a conhecer este "espectáculo da palavra". Como ele próprio disse é impossível dizer-se que na Praia não se vai ao teatro... A sala estava quase cheia! Venham mais destes!

Crónicas de mim para mim, de Margarida

Parabéns pela escolha do texto: Brilhante! Uma excelente interpretação do poema "Máscaras" pelo Grupo de Teatro do Centro Cultural Português e Companhia Raiz di Polón. Uma noite feliz no Auditório Jorge Barbosa. Parabéns ao Arlequin atrevido. Um Arlequin de paixões e beijos intensos; teatral como se quer. Às vezes com uns laivos de "criolização" muito pertinentes! Valeu o doce e terno Pierrot, em equilibrio com esse Arlequin exuberante. Valeu pelo amor e pela paixão representados em palco através de duas fantásticas personagens que realmente levantaram o véu sobre dois grandes actores. Muito bonito, o movimento de cena dado pelas "duas máscaras" bailarinas e a beleza da Colombina do alto do seu pedestal. Venham mais vezes à Praia e ousem sempre! Parabéns e como diz o João, afinal há público para o teatro na capital!

Tempos de Lobos, de Mário Almeida

Fui espreitar, ontem, a peça de teatro «Máscaras» do João Branco [com Mano Preto escondido por trás de uma máscara]. Gostei da peça, do primeiro ao ultimo acto, que não foi no palco mas na plateia, com a improvisada (?) provocação aos presentes. Essa espécie de desenredo, que desperta pela sua imprevisibilidade, quase que responsabiliza as pessoas por aquilo que andaram a ver, confrontando a arte com as suas vidas. O melhor exemplo disso, no cinema, talvez esteja presente n' «O Sabor da Cereja» de Abbas Kiarostami: depois de passear, pelo enredo, a figura trágica do protagonista até ao suicidio, o cineasta nos deixa ver os bastidores das imagens das filmagens, questionando por dentro a própria obra, sem ligar aos «anseios» ficionistas do público. O efeito é estranho e obriga todos, igualmente, a questionar. Estranho, tambem, é o modo como soa a mediação de um fragmento textual, tirado a papel químico, das composições de Orlando Pantera no decorrer de uma cena teatral desse estilo. Fantástico! Ontem só faltou mesmo aquele beijo real (de que tanto se poetizou) a um felizardo qualquer que estivesse nessa halloween de alta definição.

Notal final: contamos brevemente poder colocar algumas fotografias do espectáculo.

Imagem: Abraão Vicente sobre impressão de da Vinci

Máscaras I

2008-11-15T15:35:00.001-01:00

Grupo de Teatro do Centro Cultural Português - IC

& Companhia Raiz di Polon

apresentam

"Máscaras"

Dramaturgia

A partir do poema «Máscaras» de Menotti del Pichia

Encenação e Direcção Artística

João Branco

Coreografia e Direcção de Movimento

Mano Preto

Cenografia e Direcção Plástica

Bento Oliveira

Ambientes Sonoros

Neu Lopes

Interpretação / Bailarinos

Mano Preto

Beti Fernandes

Interpretação / Actores

Arlindo Rocha

João Branco

Romilda Silva

Desenho de Luz

Anselmo Fortes

Participação Especial

Mayra Andrade & Mário Lúcio Sousa

Máscaras, Figurinos e Objectos

Abraão Vicente, Bento Oliveira, Elisabete Gonçalves e Artur Marçal

Música

Vasco Martins e Bernardo Sasseti

41ª Produção Teatral do GTCCPM/IC

em Co-produção com a Companhia Raiz di Polon

"Vejo as personagens pairando, voando, deslizando na sua existência, por este magnífico hino ao amor. Por isso, um espectáculo físico, plástico e sobretudo, um espectáculo da palavra. Uma interpretação cantada, ou se quisermos, quase suspirada. Esta musicalidade, inspirada talvez na forma de ser e estar do povo cabo-verdiano, um povo musical, por excelência. E dançante e alegre. Bamboleando e piscando o olho à vida. Às coisas belas da vida.

Em constante movimento, porque quem voa e pára, no chão há-de cair. "

Dia 19 de Novembro
Auditório Nacional Jorge Barbosa
Quarta-feira - 21:30 horas

Fotografia de Kizó Oliveira

«Máscaras» na Praia e Mindelo

2008-11-07T16:59:00.004-01:00

A nossa última produção teatral «Máscaras», feita em co-produção com a Companhia Raiz di Polon, da cidade da Praia, vai poder ser vista na capital de Cabo Verde e no Mindelo, este mês de Novembro.

Uma grande novidade! Na cidade da Praia será apresentada no Auditório Nacional Jorge Barbosa, no próximo dia 19 de Novembro, no âmbito da programação cultural do Simpósio sobre Indústria da Cultura que estará a decorrer naquela semana.

Na cidade do Mindelo, a peça fará uma curta temporada de 3 dias, no final do mês, com espectáculos nos dias 28, 29 e 30 de Novembro, no Centro Cultural do Mindelo.

A não perder!

Mensagem

2008-11-07T16:50:00.004-01:00

A propósito do nosso encontro com o director brasileiro José Celso, recebemos esta mensagem do nosso companheiro Helder Antunes, que se encontra neste momento no Brasil a estudar teatro:

«Foi com muita emoção e também muito orgulho, que tomei conhecimento (através deste blog) do encontro entre o GTCCPM e o José Celso, uma das grandes figuras do Teatro brasileiro.

José Celso, é muito falado e comentado, dentro da faculdade de teatro onde estudo aqui no Brasil, a UDESC (Universidade do Estado de Santa Catarina), e sem dúvidas é dos encenadores mais controversos dentro do teatro que se faz por aqui.

Esse encontro, do Grupo, com o Celso (se é que ele me permite de o chamar assim, se se ele nao permitir peço desculpas) na minha opinião, é um momento impar na história do nosso grupo, e um momento grande de aprendizagem.

Penso, sem puxar brasa para a minha sardinha, o GTCCPM, cada vez mais se consolida e se afirma como um dos maiores grupos de teatro, não somente da Africa lusófona, mas de toda a Africa, e prova disso, é primeiramente a qualidade artistica do grupo, brilhantemente dirigido pelo João, e segundo pelo número de participações em festivais, e outros eventos ligados ao teatro, a nivel internacional.

Sempre disse e repito, que o curso de teatro que o CCP promove todos os anos, tem que merecer maior e especial atenção por parte das autoridades culturais de Cabo Verde, porque dai já sairam talentos enormes, que deram e continuam dando bons frutos dentro e fora do pais. (Eu com certeza se não fosse o curso de teatro do CCP, hoje não estaria aqui, em Florianopolis, Brasil, me graduando no curso de Licenciatura em Artes Cénicas).

Sem dúvidas, até hoje a única escola de arte dramática, no verdadeiro sentido da palavra é esse curso do CCP, só o nosso querido e amado Ministério da Cultura, ainda não pode reconhecer devidamente esse trabalho.

Terminando deixo uma saudação teatral a todos os elementos do grupo dentro e fora de Cabo Verde, e que com a qualidade artisitica do João e o talento dos atores, técnicos, cenografos, etc, possamos continuar fazendo mais e melhor teatro!

Helder Antunes

Nota final: entretanto, como escrevi ao Helder, o próximo curso de iniciação teatral vai ser feito em parceria com o Centro Cultural do Mindelo, estrutura do Ministério da Cultura de Cabo Verde. O que quer dizer, que esse reconhecimento oficial reclamado nesta mensagem, acaba de acontecer. Menos mal!

Curso de Iniciação Teatral

2008-10-30T13:15:00.000-01:00

Olhem, vem aí mais um, para quem quiser.

A qualidade é garantida. E os resultados estão à vista. De realçar que, pela primeira vez, duas instituições fundamentais para a promoção cultural no Mindelo, promovem em parceria um curso deste género. A primeira consequência, certamente, será a melhoria substancial das condições para ministrar uma formação que tem sido a base e o cimento do edifício teatral de S. Vicente. Aplausos.

Morreu Carlos Porto

2008-10-29T18:16:00.003-01:00

Uma triste notícia para o teatro lusófono: morreu o crítico de teatro e dramaturgo Carlos Porto.

O crítico de teatro e dramaturgo Carlos Porto morreu hoje aos 78 anos, em Lisboa, vítima de pneumonia, disse à agência Lusa fonte próxima da família.

Carlos Porto, pseudónimo de José Carlos da Silva Castro, nasceu no Porto em 1930 e notabilizou-se sobretudo na crítica de teatro durante quase cinquenta anos, sobretudo no Diário de Lisboa e no Jornal de Letras.

Maria Helena Serôdio, directora da revista Sinais de Cena e amiga do crítico de teatro, recordou hoje à agência Lusa que Carlos Porto «foi um dos grandes fazedores de opinião pública em termos de teatro». «Era um crítico muito respeitado e por vezes muito temido, que provocou algumas polémicas, mas que respondeu sempre com coragem e frontalidade», disse Maria Helena Serôdio, reforçando o papel que Carlos Porto teve na década de 1970 na divulgação do trabalho de Luís Miguel Cintra e Jorge Silva Melo.

Foi, sobretudo, no Diário de Lisboa que Carlos Porto se destacou, disse Maria Helena Serôdio, «como combatente absolutamente decidido e corajoso sobre a liberdade do teatro, sobre a inovação e sobre o profissionalismo». Chegou a escrever algumas críticas sobre peças de teatro cabo-verdianas participantes nas primeiras edições do FITEI, no início dos anos 90.

(Na fotografia, com a esposa)

Com José Celso

2008-10-23T12:53:00.004-01:00

José Celso é um dos mais importantes - e controversos - encenadores da história dos últimos 50 anos do teatro brasileiro, e na nossa última participação internacional, em Teresina, tivemos oportunidade dec onviver com ele, numa especie de conferência absolutamente inesquecível.

Os 50 anos do Teatro Oficina foram transformados numa conversa muito descontraída com José Celso Martinez no Theatro 4 de Setembro, em Teresina. José Celso chamou ao palco os participantes de todos os países que integravam o Festival de Teatro Lusófono para contarem um pouco de como é o teatro onde moram.

Muito extrovertido e à vontade, sentado à beira do palco, José Celso iniciou sua palestra mandando um beijo estalado para o público. Logo após, tocou uma canção ao piano, levou todo mundo para a Praça Pedro II e fez uma ciranda, depois abriu um vinho português. “O vinho português nos une a todos também”, esclareceu. Além da língua que falamos, José Celso quis chamar a atenção para os vários pontos que os países que falam o português têm em comum.

Cada um dos convidados de Portugal, Cabo Verde, Brasil, Angola, Moçambique, San Tomé e Príncipe expôs as peculiaridades do teatro praticado nesses lugares. Música, dança, vinho, teatro e um palco. Só isso que precisava para José Celso Martinez Corrêa organizar uma tarde de festa da Língua Portuguesa no Piauí.

Nas imagens, podemos ver Elisabete Gonçalves e João Branco, do nosso grupo, dando as suas contribuições.

Historial das Internacionalizações II

2008-10-11T19:29:00.005-01:00

No ano que agora tende para o fim, fomos mais três vezes ao exterior. Duas ao Brasil e uma a Angola. Para 2009, outras digressões estão previstas, a Portugal, Espanha e Brasil.

Eis o historial das internacionalizações, actualizado.

Confira aqui onde já fomos e o que fomos lá fazer:

Festival de Teatro Lusófono
País / Cidade: Brasil, Teresina
Peça: «Mulheres na Lajinha»
Ano: 2008

Festival Internacional de Teatro e Artes
País / Cidade: Angola, Luanda
Peça: «Mulheres na Lajinha»
Ano: 2008

FESTLIP - Festival de Teatro da Língua Portuguesa
País / Cidade: Brasil, Rio de Janeiro
Peça: «O Doido e a Morte»
Ano: 2008

Feira de Artes Escénicas da Galiza
País / Cidade: Espanha, Santiago de Compostela
Peça: «Cloun Creolus Dei»
Ano: 2007

Festival Internacional de Máscaras e Comediantes
País / Cidade: Portugal, Lisboa
Peça: «O Doido e a Morte»
Ano: 2007

Teatro Agosto Festival Internacional
País / Cidade: Portugal, Fundão
Peça: «O Doido e a Morte»
Ano: 2007

5ª Bienal de Arte, Ciência e Cultura
País / Cidade: Brasil, Rio de Janeiro
Peça: «Mar Alto»
Ano: 2006

XIX Festival del Sur - Festival dos 3 Continentes
País / Cidade: Espanha, Aguimes
Peça: «Cloun Creolus Dei»
Ano: 2006

Festival Internacional de Teatro de Expressão Ibérica
País / Cidade: Portugal, Porto
Peça: «Mar Alto»
Ano: 2006

Semana Cultural do Mindelo no Porto
País / Cidade: Portugal, Porto
Peça: «Mar Alto»
Ano: 2005

Semana Cultural do Mindelo em Coimbra
País / Cidade: Portugal, Coimbra
Peça: «Mar Alto»
Ano: 2005

FINTA - Festival Internacional de Teatro de Tondela
País / Cidade: Portugal, Tondela
Peça: «Cloun Creolus Dei»
Ano: 2004

Mostra Internacional de Teatro
País / Cidade: Portugal, Valongo
Peça: «Cloun Creolus Dei»
Ano: 2004

A Arte da África
País / Cidade: Brasil, Rio de Janeiro
Peça: «Cloun Creolus Dei»
Ano: 2003

Festad'Africa - Festival Internacional
País / Cidade: Itália, Roma
Peça: «Cloun Creolus Dei» e «Cloun Futebol Club»
Ano: 2003

Roterdam 2001 - Capital Europeia da Cultura
País / Cidade: Holanda, Roterdam
Peça: «Agravos de um Artista»
Ano: 2001

Festival de Teatro de Língua Portuguesa em França
País / Cidade: França, Paris
Peça: «Agravos de um Artista»
Ano: 2000

Festival Internacional de Teatro Cómico
País / Cidade: Portugal, Maia
Peça: «Agravos de um Artista»
Ano: 2000

Festival Internacional Fazer a Festa
País / Cidade: Portugal, Porto
Peça: «Mal d'Amor»
Ano: 1999

IV Estação da Cena Lusófona
País / Cidade: Portugal, Coimbra, Évora e Braga
Peça: «Cloun Creolus Dei»
Ano: 1999

Porto Natal Teatro Internacional PONTI
País / Cidade: Portugal, Porto
Peça: «Cloun Creolus Dei»
Ano: 1999

ESTA - Festival de Estarreja
País / Cidade: Portugal, Estarreja
Peça: «Os Velhos Não Devem Namorar»
Ano: 1999

Ciclo Morrer d'Amor

País / Cidade: Portugal, Porto
Peça: «Romeu e Julieta»
Ano: 1999

Bienal de Jovens Criadores da CPLP
País / Cidade: Mindelo, Cabo Verde
Peça: «Mancarra»
Ano: 1998

ACASO - Festival Internacional de Teatro
País / Cidade: Portugal, Leiria
Peça: «Mal d'Amor»
Ano: 1998

Festival Internacional de Marionetas do Porto
País / Cidade: Portugal, Porto
Peça: «A Estátua e Etc.»
Ano: 1994

Festival Internacional de Teatro do Mindelo - Mindelact
País / Cidade: Mindelo, Cabo Verde
Participações sucessivas desde 1995 até 2007

O nosso grupo tem ainda espectáculos apresentados nos Açores («Mal d'Amor» e «Cachupa»), em Oeiras e Famalicão («Mar Alto»).

Texto de Homenagem I

2008-10-09T12:59:00.006-01:00

Por altura do nosso 15º aniversário, alguns amigos escreveram no Café Margoso, textos e comentários sobre o trabalho do nosso grupo. Vamos dar aqui conta de algum destes textos, começando pelo que escreveu o poeta Zé Cunha, cabo-verdiano emigrante em Lisboa.

Caros, João e trupe do Grupo de Teatro do Centro Cultural Portugês

Continuai o bom trabalho, sempre com golpes de audácia, sem pedir licença ou desculpas a ninguém. No entanto atentai, que muitas palmadas nas costas podem esconder furtivas adagas. Sejais mensageiros de boas novas, e muitas cenas. Sendo a nossa terra de muito vento e não pouca poeira, ignorai os grãos de areia com que buscam os ‘Fortinbrás’ turvar ‘a vista da alma’ de alguns incautos. Como disse Ricardo Reis “Para ser grande, sê inteiro: nada teu exagera ou exclui. Sê todo em cada coisa. Põe quanto és no mínimo que fazes.”

Esta é para mim “uma alegria de certo modo incompleta”. Não por ter lágrimas ou cânticos fúnebres, como era o caso em Elsinor, mas por estar apartado do vosso convívio, e da vossa obra apenas me chegar a doce tortura dos rumores, e o silêncio dos aplausos, que aos felizes Mindelenses invejo. Saibam que a lei comum que une os homens é as suas múltiplas fraquezas, e sabendo isto, que não é pouco, sabemo-nos perdoados. Sabeis melhor do que eu, que apenas sofro de melancolia, que não há ingratidão que vença a força de quem, por andar descalço, escolheu o conforto dos caminhos mais difíceis e rigorosos. Que as poucas recompensas, para além do caminhar orgulhosamente a ombro, e no plural, são as feridas, as nódoas negras, e as cicatrizes que sabemos nossas, e por o serem nos fortalecem, e nos lavam a alma. Que o mundo é feito de coisas vis, sabemo-lo todos. O que poucos sabem, ainda, é que esse defeito original é apenas um desafio, uma oportunidade que a natureza nos concedeu para a contrariarmos.

Escrevo-vos, sem nunca vos ter visto em cena, sem nunca vos ter conhecido, sem que entre nós tenha havido outro negócio que não o desta unilateral admiração. Prefiro que assim seja. Acerco-me pois de vós, como diria Horácio, por “capricho de vagabundo”. Mas também por fraqueza de coração e por amor, que tudo o que toca a Cabo Verde me obriga, por dever de gratidão, por capricho de amizade, e por alegria do espírito, ao reconhecimento e à partilha, sem Obrigado’s de circunstância.

Entendei, pois, como quiserdes este gesto. Saboreai este café como vos aprouver, com açúcar de lei, ou simplesmente “margoso” como manda a regra da casa.

Deixo-vos, a ti, João, e à tua trupe, um conselho, e um pedido aos vossos gentis corações vagabundos e saltimbancos.

O conselho, que não é meu (como podia o atrevimento?), ireis colhê-lo à Cena III, do Acto Primeiro, de Hamlet, o de Polónio a Laertes, na despedida, dispensando a mão paternal na cabeça, ou a haver uma, seja ela a vossa sobre a minha. “Fixa na tua memória estes conselhos: Não dês língua…” o resto está lá, lê-o com eles, e como é óbvio, é tanto para ouvir quanto para sentir.

O pedido é bem mais breve. Partilhai. Perseverai. Perseverai sempre na partilha.

“Palavras, palavras, palavras!”? Em tempos de ingratidão, é de justiça que duvideis.
Mas, “Ser ou não ser, eis a questão.”.

E, eu acredito!

Alexadre Cunha

Ao João Branco e ao GTCCP

Alexandre Cunha

José E. Cunha

Nova Imagem!

2008-10-07T03:32:00.004-01:00

Depois de muito experimentar, de muito procurar, eis a nova imagem do Boca do Lobo, site oficial do Grupo de Teatro do Centro Cultural Português - IC / Mindelo.

Mais simples visualmente, mais funcional, ou seja, de fácil leitura para quem precisa de se informar sobre a vida e a história do nosso grupo, ou para quem quer recordar alguns dos melhores momentos das suas vidas, como participante activo ou como espectador.

Esperamos que gostem!

Saudações Teatrais

«Máscaras»

2008-10-02T17:20:00.006-01:00

Ficha Artística

Dramaturgia
A partir do poema «Máscaras» de Menotti del Pichia

Encenação e Direcção Artística
João Branco

Coreografia e Direcção de Movimento
Manú Preto

Cenografia e Direcção Plástica
Bento Oliveira

Figurinos
Elisabete Gonçalves

Concepção sonora
Neu Lopes

Interpretação / Bailarinos
Manú Preto
Beti Fernandes

Interpretação / Actores
Arlindo Rocha
João Branco
Romilda Silva

Desenho de Luz
Anselmo Fortes

Participação Especial
Mayra Andrade & Mário Lúcio Sousa

Tema Musical

Vasco Martins

Em qualquer terra em que os homens amem.
Em qualquer tempo onde os homens sonhem.
Na vida.

41ª Produção Teatral

Co-produção com a Companhia Raiz di Polon

Estreia dia 08 de Setembro de 2008 / Festival Mindelact 2008

Crítica de «O Doido e a Morte»

2008-10-02T17:14:00.003-01:00

Niilismo cômico

Crítica da peça «O doido e a morte», que integrou o FESTLIP
De Humberto Giancristofaro

A trama da peça O Doido e a Morte, texto de Raul Brandão encenado pelo Grupo de Teatro do Centro Cultural Português do Mindelo, de Cabo Verde, parece fácil de ser descrita: um doido entra no gabinete do governador com uma bomba. O modo como os personagens lidam com essa situação revela uma sátira cheia de espirituosidade e dotada de um estilo bem humorado de ver a vida através da morte.

Aos poucos, três elementos se revelam e se mostram relacionados sob duas forças, dois movimentos distintos. O primeiro elemento é composto por dois artifícios: uma grande tela branca ao fundo do cenário, que assume cores marcantes com a luz e que vai acompanhando as mudanças de tons do espetáculo; junto com efeitos sonoros que dão máxima expressão a pequenos detalhes; essa sonoplastia ressalta especialmente os movimentos mímicos. A tela não é bem um plano de fundo: os poucos objetos que compõem o cenário são transparentes ou vazados, de forma a sempre incorporar a cor que irradia de trás e que se torna dominante na cena. Essa cor refletida ajuda a compor o fundo da história, como se retratasse o que está por trás de tudo o que se passa, além de exercer certa influência no momento da cena. Junto com a história não contada da vida de cada personagem, ela vai compor um elemento que se prende a marcas do passado, e é esse plano que contextualiza subjetivamente toda a história.

O segundo elemento são os personagens. Não há nenhuma relação social entre os dois personagens principais da peça, o Governador e o doido Sr. Milhões, mas eles são figuras acopladas, chegam a se declarar almas irmãs, fato que é importante para entender a conexão entre eles. Essa irmandade está na similaridade entre seres opostos. A ligação existe por que esses personagens sugerem apenas intensidades diferentes de uma mesma coisa: são personalidades que fogem da representação e do comum. Um quer ser um gênio e o outro quer ser um doido. O papel de ambos parece constantemente se inverter: o doido racionaliza sua descoberta filosófica e o esperto se desespera e endoidece de medo.

O terceiro elemento é o lugar da ação. O espaço da cena se resume ao gabinete do Governador, os personagens estão presos lá dentro, circunscritos a uma realidade momentânea e fatídica. Porém, este gabinete guarda toda a vida dos personagens, é nele que o Governador passa o seu dia, lendo, jogando golfe e escrevendo suas peças de teatro.

A bomba, guardada numa caixa, se mantém intacta, mas detona uma tensão entre os três elementos citados. Ela é uma força que vem de fora e atinge os personagens, forçando-os a reagir. Com a morte como única saída, todos os três elementos da peça ganham intensidade. A relação entre eles, forçada pela presença da bomba, gera basicamente dois movimentos. Primeiramente, um movimento centrípeto, no qual a sua vida e o conforto do seu gabinete parecem se desmoronar e ruir. Por um momento se descobre a futilidade e os desperdícios vividos - um peso que esmaga os personagens. O outro movimento, centrífugo, surge de dentro deles, do cárcere pessoal, e impele para a fuga. Qualquer saída é válida, cada um a seu modo se contorce para alcançar a sua. A porta do gabinete não existe no cenário e é sempre atravessada com gestos mímicos de abrir e fechar, por isso parece não ser uma opção real de fuga. O governador, por fim, trai todos os seus princípios morais para sair dali, chega a trair a si mesmo, entregando-se para seu único confessor possível, o doido, como grande mentiroso; enquanto o intransigente Sr. Milhões só vê uma forma de completar o ciclo niilista: explodir-se e desintegrar-se para que sua poeira seja dissipada pelo cosmos.

O destino dos personagens já parece estar indicado desde o início pelo uso de máscaras: elas apontam para o desfigurado, para aquilo que não pode mais expressar sentidos pelo canal da comunicação visual. A impressão que a peça nos traz aos poucos vai sendo sentida, não de forma cognitiva, mas pela intensidade sensorial e de tensão que ela nos causa. Alguns recursos cômicos explorados pelo diretor João Branco - como os movimentos em câmera lenta ou acelerada, ou o momento em que o Governador não compreende os devaneios filosóficos do Sr. Milhões e este rebobina suas falas e ações para repeti-las - compõem uma série de movimentos anômalos que desloca a narrativa para uma situação imaginária, que não precisa obedecer ao real, e pode assim enfatizar ou mostrar novamente o que não foi visto. O Sr. Milhões nos dá essa dica na fala: "Os livros, as peças, a arte, enfim, só valem pelo que sugerem. O que está lá em regra não presta para nada; o que cada um de nós constrói sobre a linha, a cor e o som é que é verdadeiramente superior." Ele parece nos dizer que o invisível, sugerido nas relações de forças da peça, traz à tona não um processo reflexivo, mas criativo. Essa é uma outra resposta possível para o niilismo que se coloca na peça: diante do vazio existencial, é possível preenchê-lo, é possível criar, é possível construir a diferença a partir do desfigurado, sem fugir da infinitude do tempo, mas indo em busca do tempo perdido.

Novas na Boca do Lobo

2008-10-02T17:00:00.005-01:00

Pois é, caros amigos e companheiros. Já lá vão alguns meses desde a última actualização do nosso espaço comum e isso é uma vergonha. Mas mais vale tarde do que nunca.

O nosso grupo não parou durante estes meses. Apresentamos a peça «Mulheres na Lajinha» em Maio, estivemos no Rio de Janeiro na primeira edição do FESTLIP, com a peça «O Doido e a Morte» e em Julho, em Teresina, também no Brasil, para apresentar a peça «Mulheres na Lajinha» no FESTLUSO. Dois festivais internacionais novos, que dão prioridade ao teatro de língua portuguesa, o que vem mostrar que este é um dos caminhos que deve ser explorado pelo teatro cabo-verdiano, se quiser alargar a sua montra.

Em Setembro, fizemos história, ao estrear uma co-produção com a Companhia Raiz di Polon, «Máscaras», naquela que foi a peça mais aplaudida do Festival Mindelact 2008 (que não necessariamente a mais elogiada!).

Novos projectos se preparam e deles iremos dar conta aqui na Boca do Lobo. Entretanto, já sabem, venham sempre, consultar o nosso historial, lembrar os nossos actores e actrizes, rever as nossas imagens de produções anteriores.

Saudações Teatrais

Elas estão de volta!

2008-05-02T19:32:00.000-01:00

Deliciosa «Última Ceia»

2008-04-14T18:57:00.003-01:00

Comentário da peça «A Última Ceia», por Abraão Vicente:

Meio adormecido pelo clic, cada vez mais perceptível, da permanência e dos cenários mutantes, vou adiando palavras marginais. Porém, há sempre o momento em que toca o gongo e alguém em tom maroto anuncia qualquer coisa como:” o mundo vai acabar, dentro de cinco horas…”. Quando não há comparações, parece que o excelente, o sublime pode morar em qualquer acto de boa vontade. Apressados, sem onde pegar para assemelhar, gritamos estrondosos Urrass e Vivas, aplaudimos (nunca o suficiente) e nos vamos embora contentes com o que se nos ofereceu. Mas não. Esse não é definitivamente o caso. Falo-vos de um momento pleno, cheio de mágica, de risos espertos, de elevada iluminação. Um momento em que foi banido a pasmaceira da nossa aldeia e se fez teatro. No final Djinho Barbosa não resistiu e soltou:” isto é teatro aqui, na China, Austrália, Paris ou Nova York”. Sim aplausos, aplausos, aplausos para o Grupo de Teatro do Centro Cultural português do Mindelo. Delicioso foi ver, a primeira vez para mim, João Branco in cena. De resto acredito que só a prática e a experiência podem explicar a excelência do trabalho desenvolvida pelo João Branco e pelo GTCCPM. Acrescento já agora a dose precisa de inteligência para pesquisar, adaptar e por no palco textos tão fabulosos como “Apocalypse Now” de Rui Zink. Lembro-me perfeitamente o dia em que devorei esse tal livrinho, no meu quartinho de estudante na Rua Gonçalves Crespo, 27, 1, Picoas, Lisboa. Thanks JB e GTCCPM, foi muita Merda mesmo.

In www.alamarginal.blogspot.com

Intervenção de Silvia Lima

2008-04-12T02:12:00.002-01:00

Eis o discurso de agradecimento pelo Prémio de Mérito Teatral 2008, escrito pela Silvia, que representou o nosso grupo na cerimónia de entrega, que teve lugar no passado dia 27 de Março:

«Há quinze anos atrás, era eu bem novinha, vi um anúncio onde se lia: Curso de Expressão Corporal e Iniciação Teatral. Não pensei duas vezes, fui logo a correr inscrever-me. No dia 17 de Fevereiro de 1992, lá estava eu, juntamente com os outros, ansiosa, a espera na biblioteca do CCP, para ver quem era o professor, e mais curiosa ainda, para saber o que íamos fazer. Aí chegou o João todo entusiasmado e determinado que logo na sua primeira conversa, cativou-nos a todos para a arte de representar e pelo trabalho que pretendia realizar. Lembro-me que uma boa parte de nós, não tinha a mínima noção do que era fazer teatro. Confesso mesmo, que os primeiros exercícios de expressão corporal que fizemos, achei-os bem esquisitos.

Num ambiente de muita aprendizagem, descobertas, dedicação e humildade montámos a nossa primeira peça teatral – “Fome de 1947”- ainda como alunos do curso, que posteriormente se viria a transformar no GTCCP/IC.

Muito pouca gente viu, mas os que viram gostaram muito. E assim começámos a nossa caminhada. Tínhamos uma tarefa muito árdua pela frente – conquistar o público mindelense. Fazer com que as pessoas se interessassem por um teatro diferente, inovador e ousado. Não foi tarefa fácil, quase que implorava-mos às pessoas para irem ver as nossas peças e olhem que era de graça. Mas graças ao nosso grande esforço e dedicação hoje podemos dizer que atingimos o nosso objectivo que era, e é fazer sempre o nosso melhor e que as pessoas gostem.

Gostaria também de salientar aqui a importância preponderante que o grupo do CCP teve na criação do festival de teatro Mindelact e na formação da Associação Artística e Cultural Mindelact, pois todos os actores do grupo estiveram e estão ligados a vida da associação, que hoje reconhecidamente nos premeia com este magnífico Prémio de Mérito Teatral 2008.

Quero ainda dizer um grande obrigado ao João Branco por ter-nos levado a embarcar neste mundo fascinante do teatro, e outro grande obrigado ao Centro Cultural Português na pessoa de Doutora Ana Cordeiro, por tudo que tem feito pelo grupo.

Por isso e por muito mais, estou muito orgulhosa e feliz por estar aqui hoje a receber este prémio, em nome dos meus companheiros de grupo. Aproveito para agradecer, em meu nome próprio e em nome de todos, à Associação Mindelact pelo mesmo. Muito obrigada. E que GTCCP/IC continue a ser um nome de referência no cenário do teatro caboverdiano.»

Sílvia Lima
Elemento fundador do GTCCP-IC

GTCCPM Prémio de Mérito Teatral 2008

2008-03-19T18:01:00.002-01:00

No dia 15 de Março, sábado, a Associação Artística e Cultural Mindelact esteve reunida em Assembleia Geral. Vários assuntos estiveram sobre a mesa de trabalho durante a referida assembleia, com destaque para o ponto "Proposta e Escolha do Prémio de Mérito Teatral 2008".

Das diferentes propostas apresentadas decidiu-se, através de votação, atribuir o "Prémio de Mérito Teatral 2008" ao Grupo de Teatro do Centro Cultural Português -Instituto Camões (GTCCP-IC).

Ou seja, finalmente, e depois de 15 anos de luta, o trabalho do nosso grupo é reconhecido em sede de Assembleia Geral da Associação Mindelact.

Já não era sem tempo! Parabéns a todos os que contribuiram para esta grande batalha!

Peça em Imagens: A Última Ceia (2008)

2008-03-19T17:55:00.002-01:00

Peça: A Última Ceia (2008)
Fotografias de Anselmo Fortes

A Última Ceia

2008-03-12T14:17:00.006-01:00

A não perder!

Dias 14 e 15 de Março: 21:30 horas
Dia 16 de Março: 20:30 horas

Centro Cultural do Mindelo

Vem aí: A Última Ceia

2008-03-12T14:11:00.004-01:00

ESTREIA DIA 14 DE MARÇO

Ficha Artística

Adaptação do romance
«Apocalipse Nau»
de Rui Zink

Adaptação, Encenação, Cenografia
e Direcção Artística
João Branco

As. de Encenação e Desenho de Luz
Edson Fortes

Figurinos e Adereços
Elisabete Gonçalves

Peças Cenográficas
Manuel Estevão

Interpretação
Arlindo Rocha
Elisabete Gonçalves
Elísio Leite
João Branco
Manuel Estêvão
Sílvia Lima

Som
Anselmo Fortes

40ª Produção Teatral do GTCCPM/IC

SOBRE A PEÇA

A Era da Pertofobia

Esta peça é um objecto estranho. Que se entranha. Pode ser vista como uma comédia, um drama, uma tragédia, ou apenas uma história onde cabem todos estes géneros que costumamos utilizar para classificar as obras teatrais. E é lógico que assim seja, porque esta peça fala da vida, de seres humanos banais, iguais a tantos outros no mundo. E a vida é, por definição, o reino onde cabem todos os epítetos. Um mistério onde, num segundo, tudo se pode esfumar numa memória, num grito, num perfume imaginário.

A situação é bastante simples: estamos no último dia do milénio: três homens e duas mulheres apostam tudo. As probabilidades não são muitas. Porque o mundo vai acabar ao bater da meia-noite. É o próprio Diabo quem o diz. E o Diabo, como se sabe, nunca mente. Esta é pois uma história negra que retrata uma noite de passagem de ano de uma família de classe média em ruptura, na viragem do milénio, que pretende fazer-nos pensar e, se sobrar vontade para isso, sorrir. E ninguém nos garante que este não seja amarelo. O pior dos sorrisos.

Este é um sinal dos tempos actuais. As pessoas comunicam utilizando os meios mais sofisticados, o telemóvel e a Internet são consideradas as invenções mais importantes da modernidade e talvez seja por isso que é cada vez mais difícil comunicar com os outros sem a imposição de uma distância. Como diz o autor, as pessoas hoje estão cada vez mais pertofóbicas. Tem medo da proximidade, do toque sentido, do olhar trocado ou da palavra ouvida.

Muitas pessoas parecem ter desistido de parar para pensar no que podem fazer para simplesmente serem um pouco mais felizes, tornando os que estão à sua volta também um pouco mais felizes. Que este sopro que é a nossa passagem pelo mundo dos vivos deveria ser algo muito mais fruído, mais valorizado, mais simplificado. Volta e meia fica cada vez mais claro que o homem é um animal simbólico que escolheu viver no inferno e a vida não é mais do que uma sucessão de fins. E, à beira da viragem de milénio, como à beira de um abismo sem retorno, a nossa percepção de catástrofe aumenta, enquanto a temperatura do inferno continua a mesma, tépida, como sempre foi.

E é isto que queremos dizer: que é preciso reagir para que o homem não perca a sua própria Humanidade; que é premente que se volte a encontrar a imensa poesia que é o simples facto de se estar vivo em cada acordar; que é necessário voltar a olhar, vendo os que nos rodeiam e amam, sem restrições. A esperança, essa, mantém-se sempre, porque como diz o povo, é a última a morrer.

E o que continua vivo é esta nossa vontade de arriscar, enquanto criadores, homens e mulheres do teatro, para dizer e transmitir não mensagens, até porque cada um tem o seu próprio código para ver e analisar as coisas, mas sim estados d’alma, alertas cobertos de expectativa de que este é um tempo e um lugar onde vale a pena estar. De uma forma urgente e arrebatadora.

João Branco

15 anos, porra!

2008-02-12T17:45:00.000-01:00

Grupo de Teatro do Centro Cultural Português—IC

1993 - 2008

40Produções Teatrais

15 anosde actividade ininterrupta, fazem deste grupo o mais produtivo da história do teatro cabo-verdiano, com 40 Produções Teatrais concretizadas.

15 anos de politica de repertório que revolucionou por completo o teatro nacional. As peças vão desde originais de elementos do próprio grupo, até à encenação de autores nacionais consagrados como Germano Almeida, Aurélio Gonçalves, Eugénio Tavares e Mário Lúcio Sousa, passando pela adaptação de autores da dramaturgia universal, tendo sido o primeiro grupo a encenar em crioulo autores como Shakespeare, Lorca, Molière, Wilde ou Beckett.

353Espectáculos

15 anosde intensa actividade teatral, no que resulta na apresentação, durante este período, dum total de 353 espectáculos, em praticamente todas as ilhas do país e no estrangeiro.

137Novos actores e actrizes

15 anose uma nova geração de actores cabo-verdianos, que após realizarem uma formação de um ano, no próprio Centro Cultural Português, integram o grupo e participam nas suas produções. Durante este período, já pisaram os palcos crioulos mais de 130 homens e mulheres. Realizaram, desta forma, e por este intermédio, o sonho de pisar um palco e viver outras vidas.

70.000Espectadores

15 anosque alteraram radicalmente o panorama teatral em S. Vicente. Durante este período, cerca de 70.000 pessoas saíram de suas casas para ir ao teatro ver uma das 39 produções já encenadas. O grupo criou um público em crescendo e aumentou, com a qualidade artística do seu trabalho, o grau de exigência do público mindelense.

10.000Horas a ensaiar

15 anose muito trabalho, imenso suor, incontável espírito de sacrifício de quem tem muito amor pelo teatro. Estima-se que durante este período, os elementos do grupo tenham gasto, no seu conjunto, cerca de 10.000 horas das suas vidas a ensaiar. Para que na hora da verdade, tudo corra bem e o abraço com o público seja, ainda e sempre, uma imensa festa do Humanismo.

25Participações em eventos internacionais

15 anose mais de 25 participações em eventos internacionais de artes cénicas, elevando o nosso teatro a outros patamares. Um grupo que já se apresentou nalguns dos maiores centros culturais do mundo em países como Brasil, Espanha, França, Holanda, Itália e Portugal, mostrando que o teatro em Cabo Verde é hoje uma arte em plena ascensão.

250Notícias publicadas

15 anose muitas reportagens, notícias, algumas críticas foram saindo na imprensa escrita, aquela que nos permite guardar memória da efémera actividade teatral. Ao todo, contabilizamos cerca de 250 notícias publicadas na imprensa sobre o GTCCP - IC durante este período. Muita tinta, tanto papel!

12Cursos de Teatro

15 anose muitas horas em aulas de teatro, ministradas ao longo de 12 Cursos de Iniciação Teatral (anuais), tendo-se iniciado nas lides teatrais centenas de jovens de todas as idades, e resultando com isso não apenas a renovação do próprio grupo, mas também fazendo com que surgissem no panorama teatral mindelense novas companhias de teatro. Todos os grupos actualmente em actividade na ilha do Porto Grande tiveram os seus elementos nesta autêntica Casa-Mãe.

Tanto Teatro, porra!

Recordar: «Fragmentos»

2008-01-07T18:25:00.001-01:00

«Fragmentos»

Apresentado nos dias 04 e 05 de Agosto de 1995 e 03 de Setembro de 1995, no Centro Cultural Português de S. Vicente.

9ª Produção Teatral
Elenco: Amilza Soares, António Coelho, Carla Sequeira, Elísio Leite, João Paulo Brito e Nelson Rocha.

Ano: 1995
Apresentações: 3
Estimativa de público em Cabo Verde: 300

Toda com textos de poetas cabo-verdianos e que contou com a participação de alguns dos mais resistentes elementos do grupo. Elisio Leite e Nelson Rocha já cá andam há mais de 10 anos...

Um grande 2008

2008-01-07T18:22:00.001-01:00

Caros colegas e amigos do Grupo do CCP-IC

Desejamos a todos vocês um magnífico 2008 com muito teatro! Este é o ano do nosso 15º aniversário!

Na boca de lobo

Na cu de baleia

Ke merda té li!

Personagens que falam

2007-12-27T22:05:00.000-01:00

«Não! Un ta na nha sepultura! Por favor, eskecê e perdoâm. Un ta bedjo e tonte. Kond bô pedir nha bençon, mim de joêl un ta pedib perdon. Assim no ta ba vivê, ta cantá e ta razá, e ta contá estória antigue, e ta ri de borboleta dourâd, e t’ouvi uns pobre diabo t’falá de notícia de Corte. Limpa bôs oye, princesa. Besoute ba tud po diâbe!! Assassinos, traidores! Un podia têb salvade! Cordélia! Cordélia! Agora un ta bedjo e tormente tita dá cabe d’mim. Quem ké bô? Cordélia, nha princesa.»

Personagem: Rei Lear
Peça: Rei Lear
Autoria do texto citado: William Shakespeare
Ano de apresentação da peça: 2003

Recordar: «Gin Tónic Surrealista»

2007-12-26T17:05:00.002-01:00

«Gin Tónic Surrealista»

Apresentado nos dias 20 de Junho de 1995 e 12 de Junho de 1996, no Centro Cultural Português de S. Vicente.

8ª Produção Teatral
Elenco: Euclides Sequeira, Elisabete Gonçalves, Gabriel Reis, João Branco e Paulo Miranda.

Ano: 1995 & 1996
Apresentações: 2
Estimativa de público em Cabo Verde: 200

Toda com textos surrealistas de Mário Henrique Leiria, e o João Branco dentro de um caixote e com pinta de George Michael, esta é também uma peça cuja reposição muito boa gente reclama. Um dia, quem sabe...

Os personagens falam

2007-12-20T16:52:00.001-01:00

«Que me importa a morte dos outros, o amor de uma mãe e de uma noiva, que me importa! Que me importa Deus e as vidas que se escolhem. Também os outros um dia serão condenados. Que me importa se, acusado de delito premeditado, duplo, triplo, vou ser executado, por não ter chorado no enterro da minha mãe. E depois? Era como se durante todo este tempo tivesse estado à espera deste minuto.»

Personagem: Lafácio
Peça: As Lágrimas de Lafcádio
Autoria do texto citado: André Gide
Ano de apresentação da peça: 1996

Recordar: «As Lágrimas de Lafcádio»

2007-12-20T16:38:00.001-01:00

«As Lágrimas de Lafcádio»

Apresentado nos dias 21, 22 e 23 de Abril e 01 de Setembro de 1995, no Centro Cultural Português de S. Vicente.
Espectáculos nos dia 28 e 29 de Abril de 1995, no Centro Cultural Português da Praia

7ª Produção Teatral
Elenco: Elisângela Monteiro, Elisângelo Ramos, Gabriel Reis, João Paulo Brito, Paulo Miranda e Sílvia Lima.

Ano: 1995
Apresentações: 5
Estimativa de público em Cabo Verde: 500

Eis, se o destino assim o quiser, uma das peças que iremos rever em tempos muito próximos, numa reposição, 13 anos depois. O João Paulo Brito, Silvia Lima e o Gabriel Reis estão por aqui e com muita vontade de por a mão na massa! Quem sabe se será já em 2008?

Recordar: «Sonhos»

2007-12-19T13:08:00.001-01:00

«Sonhos»

Apresentado nos dias 24, 25 e 26 de Março de 1995; 02, 03 e 04 de Junho de 1995; 25 de Agosto de 1995; 02 e 20 de Setembro de 1995; 31 de Dezembro de 1995, em vários locais de S. Vicente.
Espectáculo no dia 27 de Maio de 1996, no Club Náutico do Mindelo.

6ª Produção Teatral
Elenco: Adilson Rocha, Adriano Reis, Cesarina Lopes, Elisabete Gonçalves, Elisângelo Ramos, Euclides Sequeira, Gabriel Reis, João Paulo Brito, Júlio Santos, Matilde Sequeira. Nelson Rocha, Paulo Cabral, Paulo Miranda e Sílvia Lima.

Ano: 1995 & 1996
Apresentações: 11
Estimativa de público em Cabo Verde: 1.500

Peças em imagens: Chico (1994)

2007-12-18T16:33:00.000-01:00

Peça: Chico (1994)
Fotografias de João Branco

Recordar: «Chico»

2007-12-18T16:27:00.001-01:00

«Chico»

Apresentado entre os dias 14 a 24 de Dezembro de 1994 nas escolas do ensino básico de S. Vicente.
Espectáculo no dia 25 de Dezembro de 1994, na Praça Nova.
Espectáculos nos dias 28 de Maio de 1995 e 01 de Junho de 1995, em S. Vicente.
Espectáculos no dia 17 de Setembro de 1995, em Santo Antão

5ª Produção Teatral
Elenco: Adilson Rocha, Adriano Reis, Gabriel Reis, João Branco, João Paulo Brito, Júlio Santos e Paulo Miranda.

Ano: 1994 & 1995
Apresentações: 30
Estimativa de público em Cabo Verde: 7.300

Recordar: «Eu Sou Teu Escravo?»

2007-12-17T17:18:00.001-01:00

«Eu Sou Teu Escravo?»

Apresentado nos dias 15, 16 e 17 de Março de 1994 no Centro Social de Ribeira Bote.

4ª Produção Teatral
Elenco: Cesarina Lopes, Euclides Sequeira, Paulo Lopes, Paulo Oliveira, Alberto Brito, Sérgio Rocha, Sheila Costa, Karine Rocha, Nelson Rocha, David Duarte, João Paulo Brito e Júlio Santos.

Ano: 1994
Apresentações: 3
Estimativa de público em Cabo Verde: 500

Recordar: «Nós Pescadores»

2007-12-14T16:37:00.001-01:00

«Nós Pescadores»

Apresentado entre os dias 25, 26 e 27 de Fevereiro de 1994 no auditório da TNCV e no 03 de Maio de 1994, no Salão da Escola Técnica.

3ª Produção Teatral
Elenco: Adilson Rocha, Adriano Reis, Edna Monteiro, Elisângela Monteiro, Elisângelo Ramos, Gabriel Reis, Gisela Monteiro, João Branco, João Paulo Brito, Júlio Santos, Neusa Monteiro, Paulo Cabral, Paulo Miranda e Sílvia Lima.

Ano: 1994
Apresentações: 4
Estimativa de público em Cabo Verde: 600

Recordar: «A Estátua e Etc»

2007-12-13T11:31:00.001-01:00

«A Estátua e Etc.»

Apresentado entre os dias 15 de Dezembro de 1993 e 04 de Janeiro de 1994 nas escolas do ensino básico de S. Vicente.

Espectáculo no dia 12 de Janeiro de 1994, na cidade da Praia.

Espectáculos nos dias 06, 11, 12 e 13 de Maio de 1994, no Porto / Portugal.

2ª Produção Teatral
Elenco: João Paulo Brito, João Branco, Júlio Santos, Elisângela Monteiro, Silvia Lima, Neusa Monteiro, Edna Monteiro, Paulo Miranda, Gabriel Reis, Adilson Rocha, Paulo Cabral, Gisela Monteiro e Adriano Reis.

Ano: 1993 & 1994
Apresentações: 25 (Cabo Verde); 4 (Portugal)
Estimativa de público em Cabo Verde: 4.000
Estimativa de público em Portugal: 1.200

Foto: João Branco

Recordar: «A Fome de 47»

2007-12-13T11:11:00.001-01:00

«Fome de 47»

Apresentado nos dias 17, 18 e 19 de Julho de 1993 no Centro Juvenil Nhô Djunga e 05 de Dezembro de 1993, no Salão Cultural da Igreja dos Capuchinhos.

1ª Produção Teatral
Elenco: Rolando Andrade, Silvia Lima, João Paulo Brito, Paulo Miranda, Júlio Santos, Elisângela Monteiro, Adilson Rocha, João Branco, Elisângelo Ramos, entre outros.

Ano: 1993
Apresentações: 4
Estimativa de público: 300

Peça em Imagens: Romeu e Julieta (1998) II

2007-12-07T17:41:00.000-01:00

Peça: Romeu e Julieta (1998)
Fotografias de Cristina Peres

Que saudades deste nosso Romeu e Julieta, em pleno Rivoli da cidade do Porto! Terá sido, muito provavelmente, a série de espectáculos onde as condições técnicas foram melhores, com um inacreditável desenho de luz de César Fortes...

As Nossas Actrizes IX

2007-12-06T00:05:00.001-01:00

@ "Casa de nha Bernarda" - foto de João Barbosa

Gabriela Graça

Idade: 30 e tal anos
Signo: Gémeos

Peças em que participou como actriz:

A Casa de nha Bernarda - 1997

Mancarra - 1998

Os Dois Irmãos - 1999

Salon - 2002
Casa de nha Bernarda - 2007

Se tiver algo a dizer sobre esta nossa actriz, não hesite em deixar o seu comentário

Actualidade: Casa de nha Bernarda

2007-11-10T10:19:00.001-01:00

«Casa de nha Bernarda» de volta, para curta temporada!

O nosso grupo, Grupo de Teatro do Centro Cultural Português – Instituto Camões, sobe ao palco nos dias 16, 17 e 18 de Novembro para repor a peça Casa de Nha Bernarda baseada na obra de Garcia Lorca. A peça foi apresentada pela primeira vez há dez anos atrás. Com um elenco renovado, João Branco voltou a encenar a peça que fez as honras de abertura do Mindelact 2007. Uma história comovente onde o que fica é, sobretudo, o pranto doce e triste das mulheres abandonadas.

FICHA ARTÍSTICA

Título: Casa de Nha Bernarda

Autor: Garcia Lorca (da obra “A Casa de Bernarda Alba”)

Encenação: João Branco

Assistente de Encenação: Mirto Veríssimo

Adaptação Dramatúrgica: Colectivo

Cenografia: João Branco & Paulo Miranda

Figurinos: Anilda Rafael

Iluminação: Anselmo Fortes / César Fortes

Interpretação: Eliabete Gonçalves, Gabriela Graça, Glória Sousa, Karina Delgado, Maria Auxilia Cruz, Mirtó Veríssimo, Patrícia Alfama, Romilda Silva, Sílvia Lima, Zenaida Alfama

Todos estão convidados e em especial os elementos do grupo - estes são convocados - para aparecer e dar aquela força!

De partida para a Galiza!

2007-10-20T19:03:00.000-01:00

O pessoal da peça «Cloun Creolus Dei», depois de duas semanas de ensaios intensivos, está de partida para a Galiza, Santiago de Compostela, para participar na Feira de Artes Cénicas da Galiza.

O espectáculo é no dia 23 de Outubro, ou seja, na próxima 3ª feira.

Na boca de lobo
Na cú de baleia
Ke merda té li!

Até já!

Peça em Imagens: Casa de nha Bernarda II (2007)

2007-10-16T14:11:00.000-01:00

Peça: A Casa de nha Bernarda (2007)
Fotografias de João Barbosa

Actualidade: A Caderneta

2007-10-15T15:41:00.002-01:00

A nossa 39ª Produção Teatral, «A Caderneta», será apresentada no próximo dia 18 de Outubro, no âmbito do Dia Nacional da Cultura, pelas 21:00 horas, no pátio do Centro Cultural do Mindelo.

A entrada é livre, pelo que todos estão convidados (e mesmo se não fosse, também estariam!)

FICHA ARTÍSITCA

Adaptação do conto de Baltasar Lopes da Silva

Encenação, Cenografia e Direcção Artística
João Branco

Direcção Musical
Nuno Tavares

Figurinos e Adereços
Mirita Veríssimo

Desenho de Luz
Anselmo Fortes

Interpretação
Mirita Veríssimo

Produção e Assistente de Encenação
Elisabete Gonçalves

Voz e Apresentação Power Point
João Branco

39ª Produção Teatral do GTCCPM/ICA
Estreia dia 21 de Abril, em S. Nicolau

Historial das Internacionalizações

2007-10-12T20:24:00.000-01:00

O Grupo de Teatro do CCP-IC é, desde há muito, o mais internacional de todos os grupos que já existiram em Cabo Verde. Formado em 1993, contabiliza mais de duas dezenas de participações internacionais, nos mais variados eventos e festivais de teatro, em países como Portugal, Brasil, Espanha, França, Holanda ou Itália.

Confira aqui onde já fomos e o que fomos lá fazer:

Feira de Artes Escénicas da Galiza
País / Cidade: Espanha, Santiago de Compostela
Peça: «Cloun Creolus Dei»
Ano: 2007

Festival Internacional de Máscaras e Comediantes
País / Cidade: Portugal, Lisboa
Peça: «O Doido e a Morte»
Ano: 2007

Teatro Agosto Festival Internacional
País / Cidade: Portugal, Fundão
Peça: «O Doido e a Morte»
Ano: 2007

5ª Bienal de Arte, Ciência e Cultura
País / Cidade: Brasil, Rio de Janeiro
Peça: «Mar Alto»
Ano: 2006

XIX Festival del Sur - Festival dos 3 Continentes
País / Cidade: Espanha, Aguimes
Peça: «Cloun Creolus Dei»
Ano: 2006

Festival Internacional de Teatro de Expressão Ibérica
País / Cidade: Portugal, Porto
Peça: «Mar Alto»
Ano: 2006

Semana Cultural do Mindelo no Porto
País / Cidade: Portugal, Porto
Peça: «Mar Alto»
Ano: 2005

Semana Cultural do Mindelo em Coimbra
País / Cidade: Portugal, Coimbra
Peça: «Mar Alto»
Ano: 2005

FINTA - Festival Internacional de Teatro de Tondela
País / Cidade: Portugal, Tondela
Peça: «Cloun Creolus Dei»
Ano: 2004

Mostra Internacional de Teatro
País / Cidade: Portugal, Valongo
Peça: «Cloun Creolus Dei»
Ano: 2004

A Arte da África
País / Cidade: Brasil, Rio de Janeiro
Peça: «Cloun Creolus Dei»
Ano: 2003

Festad'Africa - Festival Internacional
País / Cidade: Itália, Roma
Peça: «Cloun Creolus Dei» e «Cloun Futebol Club»
Ano: 2003

Roterdam 2001 - Capital Europeia da Cultura
País / Cidade: Holanda, Roterdam
Peça: «Agravos de um Artista»
Ano: 2001

Festival de Teatro de Língua Portuguesa em França
País / Cidade: França, Paris
Peça: «Agravos de um Artista»
Ano: 2000

Festival Internacional de Teatro Cómico
País / Cidade: Portugal, Maia
Peça: «Agravos de um Artista»
Ano: 2000

Festival Internacional Fazer a Festa
País / Cidade: Portugal, Porto
Peça: «Mal d'Amor»
Ano: 1999

IV Estação da Cena Lusófona
País / Cidade: Portugal, Coimbra, Évora e Braga
Peça: «Cloun Creolus Dei»
Ano: 1999

Porto Natal Teatro Internacional PONTI
País / Cidade: Portugal, Porto
Peça: «Cloun Creolus Dei»
Ano: 1999

ESTA - Festival de Estarreja
País / Cidade: Portugal, Estarreja
Peça: «Os Velhos Não Devem Namorar»
Ano: 1999

Ciclo Morrer d'Amor

As Nossas Actrizes VIII

2007-10-11T16:49:00.002-01:00

@ "Casa de nha Bernarda" - foto de João Barbosa

Silvia Lima

Idade: 29 anos
Signo: Peixes

Peças em que participou como actriz:

A Fome de 47 – 1993
A Estátua e Etc – 1993
Nós Pescadores – 1994
Chico - 1994
Sonhos - 1995
Lágrimas de Lafcádio - 1995
O Fantasma de S. Filipe - 1995
Virgens Loucas - 1996
Mal d'Amor - 1996
O Último Dia de um Condenado - 1997
O Doido e a Morte - 2006
Mulheres na Lajinha - 2006
Casa de nha Bernarda - 2007

A Última Ceia - 2008

Se tiver algo a dizer sobre esta nossa actriz, não hesite em deixar o seu comentário

Cloun Creolus Dei na Galiza (Espanha)

2007-10-11T12:05:00.000-01:00

Mais uma participação internacional: o nosso grupo vai estar presente na Feira das Artes Escénicas 2007, que decorrerá entre 23 e 27 de Outubro, em Santiago de Compostela, Espanha, para a qual foi convidado para apresentação da peça «Cloun Creolus Dei».

Neste momento, o grupo já está em ensaios, para que mais esta participação internacional decorra de forma a abrir mais portas ao teatro cabo-verdiano. Além do nosso grupo, também a companhia Raiz di Polon, marcará presença no mesmo evento.

Feira das Artes Escénicas da Galiza

A Feira das Artes Escénicas 2007 abre-se à lusofonia a partir da premissa de considerar todo o território de expressão portuguesa como o espaço natural mais próximo à Galiza tanto cultural como geograficamente.

A normalização da circulação de espectáculos galegos nos cenários portugueses, a presença de agentes culturais lusos na Galiza, e a aproximação ao público galego de uma selecção da melhor oferta do espectáculo que Portugal, na actualidade, nos oferece são acções a ser potenciadas na Feira e que contribuirão para o desenvolvimento de um encontro contínuo entre o teatro e a dança entre ambos os países.

A edição de 2007 da Feira Galega das Artes Escénicas pretende assinalar um momento de inflexão na sua história, caracterizada pela reformulação do seu sentido e natureza. No presente ano e nos próximos, a Feira terá um objectivo fundamental: ser um espaço de autêntico mercado, transparente, dinâmico e eficaz, no qual se revelará uma parte importante da nova produção do espectáculo galego e dos países de língua portuguesa. Também será oferecido serviços aos programadores dos diferentes teatros, circuitos e redes de programação para a contratação de espectáculos para a seguinte temporada.

A Feira é, essencialmente, um mercado, e por isso pretendemos dotá-la de um perfil próprio, especializado, atractivo e capaz de oferecer um valor acrescido aos profissionais das Artes do Espectáculo que assistirem à Feira. Para reforçar ainda mais este carácter de espaço de compra e venda introduzimos algumas novidades que convém salientar: critérios objectivos na selecção das propostas artísticas programadas e promoções no preço. Assim, na escolha da programação, as companhias serão seleccionadas em função da distribuição na Rede Galega de Teatros e Auditórios (50%) e de critérios artísticos (50%). Por outro lado, os programadores poderão aproveitar bonificações com um desconto até 50% na contratação de espectáculos se for realizada durante a celebração da Feira.

Assim, é patente que a mudança de rumo é notável e substancial, e está, estreitamente, vinculada ao desejo do IGAEM de contribuir para a ordenação do ciclo de produção e distribuição das empresas de teatro e dança da Galiza, desejo que também explica a mudança de datas de celebração da própria Feira, que passará a ter lugar, a partir de 2007, na segunda quinzena de Outubro.

Peça em Imagens: Casa de nha Bernarda (2007)

2007-10-10T15:45:00.000-01:00

Peça: A Casa de nha Bernarda (2007)
Fotografias de João Barbosa

Casa de nha Bernarda, 10 anos depois!

2007-08-11T01:15:00.001-01:00

O nosso grupo vai remontar a mítica peça «A Casa de nha Bernarda», praticamente 10 anos depois de ter sido apresentada. A estreia está prevista para o dia 08 de Setembro, precisamente, o dia da abertura do Festival Mindelact 2007.

Pois é, esta é a grande novidade do mês. Por motivos «operacionais» não foi possível ter todas as condições necessárias para a montagem da peça «A Tempestade», de William Shakespeare, que ficou adiada por alguns meses, estando previsto os ensaios começarem em Maio de 2008.

Por esse motivo, o grupo avançou para aquele que foi desde há muito tempo, um sonho antigo: remontar a peça «A Casa de nha Bernarda», estreada em Novembro de 1997. Esta montagem será, como é óbvio, dedicada à memória de Joana Évora, actriz que interpretou o papel de mãe de Bernarda, e que viria a falecer dois anos depois de conseguir realizar um dos sonhos da sua vida: pisar um palco de teatro enquanto actriz.

Claro que estamos todos um pouco mais «velhos». Mas por isso mesmo, um pouco mais experientes e com bastantes mais quilometragem de palco, como se costuma dizer. E também pela diferença temporal, o elenco encontra-se, nesta versão, substancialmente alterado.

Vejamos então, papel por papel:

Bernarda: fica a cargo de Maria Auxilia Cruz, actriz do grupo, inactiva desde 2004, por motivos de estudo. A última peça que participou foi «As Três Irmãs», nesse ano. Maria Auxilia terá a enorme missão de «fazer esquecer» a actriz portuguesa Guida Maria, que interpretou o papel de forma brilhante, em 1997.

Pantcha: vai ser interpretada por Bety Gonçalves, devido à indisponibilidade de Ducha Faria, que havia feito o papel na versão original.

No papel das cinco filhas foram convidadas as actrizes Gabriela Graça (mantém-se no papel de Angústias, a filha mais velha de Bernarda); Romilda Silva (interpreta Madalena); Luana Jardim (como Martírio); Nadira Delgado(como Amélia) e finalmente Silvia Lima (na irreverente Adela).

O mítico papel de Maria Josefa, interpretado pela malograda e inesquecível Joana Évora em 97, será interpretado desta feita por Anilda Rafael.

Os restantes papeis femininos estão entregues a Mirtó Verissimo (que é também assistente de encenação), Patricia Alfama, Patricia Estevão e Karina Lizardo.

A grande estreia está prevista, como já dissemos, para o dia 08 de Setembro, na abertura do Festival Mindelact.

Quem nos quiser ir visitar, estamos todos os dias lá no CCP, das 18 às 24 horas, no mínimo!

De partida para mais uma digressão

2007-08-11T00:20:00.000-01:00

O nosso grupo de teatro prepara-se para mais uma digressão internacional, desta feita, para participar, no final de Agosto, em dois importantes festivais internacionais, em Portugal, no Fundão e em Lisboa, com a peça «O Doido e a Morte».

A primeira dessas participação é no Festival TeatroAgosto, que se realiza ao ar livre e privilegia a linguagem da encenação, o gesto, o movimento e a acção enquanto expressão autónoma. A programação dá especial relevo a propostas que se inscrevam nas vertentes do Teatro Tradicional do Ocidente (onde a Commedia dell´Arte, o mimo, a prática dos contadores de histórias, a pantomima ou o Teatro de Feira são alguns dos seus principais representantes) ou propõem às Companhias rescreverem as suas encenações com vista a adaptarem a comunicação para um público mais amplo e mais disperso e em condições adversas e menos organizadas do que a rigidez arquitectónica de uma sala de espectáculos.

No Fundão, a nossa companhia apresentará o espectáculo no dia 24 de Agosto.

De seguida, viajará para Lisboa, para participar na VII edição do Festival Internacional de Máscaras e Comediantes com um formato de transição - um momento de reflexão e renovação a pensar num crescimento futuro. A abertura aos PALOP - países da comunidade lusófona - é uma das vertentes inovadoras desta edição, esforço que se pensa manter em posteriores edições, convidando sempre uma companhia de um destes países. Este ano a companhia convidada é, precisamente, o Grupo de Teatro do Centro Cultural Português - IC, com “O Doido e A Morte” de Raul Brandão.

Em Lisboa, actuaremos no ambiente mágico do Castelo de S. Jorge, no dia 25 de Agosto.

Lembramos que a aposta destes dois eventos neste produção está relacionada com o seu carácter estético e artístico: trabalho de máscaras e uma encenação inovadora. Esperemos que este possa vir a ser mais um sucesso do grupo além fronteiras.

Com esta, será a 21ª vez que o GTCCPM sai de Cabo Verde para se apresentar além fronteiras, o que faz do nosso grupo o mais internacional da história do teatro cabo-verdiano.

As Nossas Actrizes VII

2007-08-11T00:14:00.003-01:00

@ "Três Irmãs" - foto de João Barbosa

Maria Auxilia Cruz

Idade: -
Signo: -

Peças em que participou como actriz:

«Romeu e Julieta» – 1999
«Mancarra» – 1998 /2000
«Os Velhos Não Devem Namorar» – 1998
«Telemania» - 2002
«Três Irmãs» - 2004

«Casa de nha Bernarda» - 2007

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Actualidade: Festival da Juventude e outros

2007-07-06T17:31:00.000-01:00

O Grupo de Teatro do Centro Cultural Português - IC não vai apresentar qualquer peça no Festival da Juventude, que decorre durante todo o mês de Julho em S. Vicente e será mesmo o único grupo activo da ilha a não fazer parte do programa oficial do evento.

A razão é simples: indisponibilidade do elenco. A proposta apresentada seria repôr o monumental êxito da peça «Mulheres na Lajinha» (5 sessões comletamente esgotadas), mas tal não foi possível, devido as actrizes não se mostrarem disponíveis, por motivos pessoais e/ou profissionais, para se dedicarem de corpo e alma a esta reposição. A outra peça possível, «A Caderneta», e que foi a nossa última produção teatral, também não foi proposta pelo facto de em Outubro se prever a sua reposição por ocasião de um Simpósio Internacional dedicado ao Movimento Claridoso, a realizar no Mindelo.

Mas a casa-mãe não parou nem vai parar.

- Foi estreada a peça do XII Curso de Teatro, «O Gato Malhado e Andorinha Sinhá»;
- Na última semana de Julho os alunos desse mesmo curso apresentarão os seus trabalhos finais. E estes momentos são sempre aguardados com enorme expectativa;

- Já se iniciaram os trabalhos dramatúrgicos (com a adaptação a cargo de João Branco) e cenográficos (cenografia assinada por Bento Oliveira), da próxima produção teatral, «A Tempestade», a nossa terceira adaptação de Shakespeare, de novo na língua cabo-verdiana. Será um momento histórico, já que esta peça é a nossa 40ª Produção Teatral!

Além disso, a logistica para a próxima digressão do nosso grupo já está em marcha, dado que, como foi anunciado, o grupo viajará em Agosto para Portugal, para participar no Festival Internacional de Teatro de Máscaras, em Lisboa, com a peça «O Doido e a Morte», de Raúl Brandão.

Finalmente, só nos resta desejar a todos os grupos que se apresentam neste festival da juventude - Juventude em Marcha, Companhia Solaris, Atelier Teatrakacia e Sarrom.com - os maiores sucessos com as suas apresentações.

Peça em Imagens: O Gato Malhado...(2007)

2007-07-01T02:04:00.001-01:00

«O Gato Malhado e Andorinha Sinhá»
Encenação de João Branco
Alunos do XII Curso de Teatro do IC-CCP

Estreia do Dia

2007-06-29T09:23:00.001-01:00

Estreia hoje a peça «O Gato Malhado e Andorinha Sinhá», com os alunos do XII Curso de Iniciação Teatral do CCP.

Meeeerda!

Peça em Imagens: A Caderneta (2007)

2007-06-25T16:26:00.000-01:00

Actriz: Mirita Veríssimo
Fotografias de João Barbosa